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Amiraplatz 3 - Luitpoldblock
München
80333
Germany
Auktion 324 | Alte Meister & Kunst des 19. Jahrhunderts
LIVE: keine Zusatzkosten | no extra charges
Auktionsdaten
17 Mai 2024 13:00 CEST
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3.000 - 4.000 EUR
Bayern – Der Tod Mariens. Öl auf Holz, auf dünne Holzplatte geleimt und parkettiert. (Um 1530). 66,3 x 45,7 cm. Gerahmt. Mit einer Fotoexpertise von Dr. Paul Wescher, datiert 29.5.(19)43 (als Jörg Breu d.J). Provenienz: Sammlung Bochmann, Meerane; Privatbesitz, Süddeutschland. Taxation: differenzbesteuert (VAT: Margin Scheme)
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3.000 - 4.000 EUR
Italienisch oder Südniederländisch – Christus am Kreuz mit Maria, Johannes und Maria Magdalena. Öl, teils mit goldener Farbe gehöht, auf schwarzem Schiefer nach dem Stich Raphael Sadelers I. (17./18. Jh.). 40,6 x 33,5 cm. Verso Etikett mit alter Zuschreibung an die Schule Matthias Grünewalds. Gerahmt. Der unbekannte Künstler verwendete als Vorlage einen 1605 nach dem Gemälde von Matthias Grünewald entstandenen Kupferstich von Raphael Sadeler I. Insgesamt sind heute dreizehn Gesamt- bzw. Teilkopien des sog. „Kleinen Kruzifixes" (ehemals Residenz, München) bekannt, von denen bis auf eines alle nach dem Reproduktionsstich entstanden sind. Provenienz: Privatbesitz, Hessen. Taxation: differenzbesteuert (VAT: Margin Scheme)
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5.000 - 6.000 EUR
Süddeutsch – Die Grablegung Christi. Öl und Blattgold auf Holz, auf Holzplatte geleimt. (Um 1600). 66,8 x 47,9 cm. Gerahmt. Die Komposition mit dem Leichnam Christi, der von Joseph von Arimathäa und Nikodemus gestützt wird, lehnt sich eng an den gleichnamigen Holzschnitt Albrecht Dürers aus der Kleinen Passion (Meder 153) an. Es könnte sich bei diesem und dem folgenden Werk um im 17. Jh. übermalte Altartafeln oder um Werke handeln, die um 1600 im Zuge der Dürer-Renaissance nach Vorbildern des frühen 16. Jh. ganz neu geschaffen wurden. Provenienz: Privatbesitz, Süddeutschland. Taxation: differenzbesteuert (VAT: Margin Scheme)
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5.000 - 6.000 EUR
Süddeutsch – Die Heiligen Dorothea und Katharina. Öl und Blattgold auf Holz auf Holzplatte geleimt. (Um 1600). 66,8 x 47,9 cm. Gerahmt. Die Märtyrerinnen Dorothea (mit Blütenkorb) und Katharina (mit Richtschwert und Wagenrad) werden als Ganzfiguren nebeneinander gezeigt. Zusammen mit den Hl. Margareta und Barbara werden sie den sog. „Virgines Capitales“ zugeordnet, die als Nothelfer im Gebet angerufen werden konnten. Wohl flankierten sie, zwei männlichen Heiligen gegenübergestellt, das größere Mittelstück eines Altars. Provenienz: Privatbesitz, Süddeutschland. Taxation: differenzbesteuert (VAT: Margin Scheme)
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30.000 - 40.000 EUR
Barthel Beham (1502 Nürnberg - Bologna 1540) – Bildnis einer 32-jährigen Frau („Dorothea Jörg"). Öl auf Lindenholz, parkettiert. 1524. 52,8 x 35,8 cm. Oben bezeichnet „DA.MAN.1.5.2.4.CALT. / DA.BAS.ICH.32. IAR.ALT“. Gerahmt. Löcher 75. Auf dem Gemälde präsentiert der Maler vor malerisch wenig differenziertem, grünlichen Hintergrund das Brustbild einer mittelalten Frau nach links. Sie trägt als Kopfbedeckung ein Barett und über dem braunen Kleid einen mit einer Brosche geschlossenen Goller - ein das Hemd abdeckender Schulterkragen aus Damast mit einem Granatapfelmuster. Das Bildnis trägt die Inschrift „DA. MAN. 15.2.4. CALT. DA. BAS. ICH. 32. IAR. ALT“. 1524, als das Gemälde laut Inschrift gemalt wurde, war die Dargestellte 32 Jahre alt. Eine spätere Aufschrift bezeichnete die Frau als Dorothea Jörg, doch ist diese Benennung am Gemälde nicht mehr nachprüfbar. Sie hat ihre rechte, beringte Hand auf ihren linken Unterarm gelegt, wodurch das Bildnis nicht nur kompositionell geschlossen wirkt, sondern ihm insgesamt auch eine gewisse Ernsthaftigkeit und Strenge verleiht, die auch im Gesicht der Frau zum Ausdruck kommt. Ihr Inkarnat ist warm, mit leicht rosigen Backen und einem eher introvertiertem Blick am Betrachter vorbei auf ein imaginäres Gegenüber, das Kurt Löcher aufgrund der entsprechenden Inschrift in einem männlichen Bildnis von Barthel Beham in der Gemäldegalerie in Prag identifizieren konnte (Prag, Nationalgalerie, Inv.-Nr. O 720). Der Maler legte großen Wert auf die klare Herausarbeitung des Profils, hinter dem ihre leicht verschattete Gesichtshälfte zurücktritt. Das einfach angelegte Bildnis zeugt von einer guten, lebensvollen Beobachtungsgabe in einem insgesamt fein abgestimmten Farbklang, der jedoch ohne größeren koloristischen Eigenwert ist. Die Stärken des Gemäldes liegen vor allem in der Zeichnung, wie das präzise beobachtete Gesicht und die Hände aus dem Grund hervortreten. Seit nahezu hundert Jahren der kunsthistorischen Forschung bekannt, hatte 1930 erstmals Ludwig Baldass das Bildnis einer Gruppe von Männerbildnissen zugeordnet, die er dem Augsburger Leonhard Beck zugeschrieben hatte, auch wenn Baldass anmerkte, das Bildnis sei im Ausdruck „ein wenig derber“ als die anderen Bildnisse. Der Lokalisierung nach Augsburg steht allerdings die modische Erscheinung der Frau entgegen, denn Barett und Goller weisen nach Nürnberg, wo um diese Zeit die Haube durch das modische Barett abgelöst wurde. Die Form des Baretts variierte, blieb im Typus der über dem Scheitel zusammentreffenden, durch Knopf und Schlaufe verbundenen Klappen aber immer gleich. Es war um 1525 verbreitet, wie etwa der Blick auf Dürers Bildnis der Veronika Formschneider von 1525 (London, British Museum, Inv.-Nr. 5218.50) belegt, und auch der Goller findet sich in Nürnberg auf verschiedenen Bildnissen der Zeit. Max J. Friedländer und Ernst Buchner erkannten in voneinander unabhängigen, heute jedoch nicht mehr vorliegenden Gutachten in dem Bildnis ein frühes, noch in Nürnberg geschaffenes Werk Barthel Behams. Beham ist vor allem dafür bekannt, dass er zusammen mit seinem Bruder Sebald und Jörg Pencz zu jenen „drei gottlosen Malern“ in Nürnberg gehörte, die sich vor Einführung der Reformation dem radikalen Flügel der Reformation angeschlossen hatten, wofür sie 1525 wegen Ketzerei aus ihrer Heimatstadt verbannt wurden. Barthel Beham kehrte nach kurzer Zeit zurück, blieb aber nur kurz, um 1527 als Hofmaler in die Dienste von Herzog Wilhelm IV. in München zu treten. Er gehört als Maler der weiteren Dürerschule an, doch gibt es aus seinen Nürnberger Jahren kein gesichertes Gemälde. Kurt Löcher, der Verfasser des Werkverzeichnisses der Gemälde Behams, hat unser Bildnis zwar nur unter den fraglichen Zuschreibungen aufgenommen, doch steht es gesicherten Bildnissen Behams wie etwa dem Bildnis eines jungen Mannes (ehem. Bremen, Kunsthalle, Inv.-Nr. 169-1851) so nahe, dass seine Autorschaft als begründet gelten kann. Gewisse Unsicherheiten wie die etwas formelhafte Anlage kann man einem Anfänger zugestehen, der der 1502 geborene Beham 1524 noch war. Dr. Peter Prange Für Angaben zur Provenienz danken wir Dr. Birgit Jooss, Leiterin des Projekts „Kunsthandlung Julius Böhler", Zentralinstitut für Kunstgeschichte, München. Literatur:
Ludwig Baldass: Studien zur Augsburger Porträtmalerei des 16. Jahrhunderts. Teil II: Bildnisse von Leonhard Beck, in: Pantheon 6, 1930, S. 396, Nr. 8;
Kurt Löcher: Nürnberger Bildnisse nach 1520, in: Kunstgeschichtliche Studien für Kurt Bauch zum 70. Geburtstag von seinen Schülern, München 1967, S. 122; Ders.: Ein Bildnis der Anna Dürer in der Sammlung Thyssen-Bornemisza, in: Wallraf-Richartz-Jahrbuch 39, 1977, S. 88, Abb. 5;
Peter Strieder: Tafelmalerei in Nürnberg 1350-1550, Königstein im Taunus 1993, S. 281, Nr. 165, Abb. (Barthel Beham zugeschrieben);
Kurt Löcher: Barthel Beham, in: Saur. Allgemeines Künstlerlexikon, Bd. 8, München 1994, S. 288;
Ders.: Barthel Beham. Ein Maler aus dem Dürerkreis, München-Berlin 1999, S. 66, Abb. 66, und S. 217, Nr. 75 (unter fragliche Zuschreibungen);
Sebastian Schmidt: Abbild – Selbstbild. Das Porträt in Nürnberg um 1500, Wiesbaden 2018, S. 344-345, Nr. 81, Abb. (Barthel Beham?). Ausstellung:
Meister um Albrecht Dürer, Ausst.-Kat. Germanisches Nationalmuseum, Nürnberg 1961, S. 64, Nr. 30. Provenienz:
Benediktinerstift Lambach, Oberösterreich; Galerie Sanct Lucas, Wien;
Kunsthandel Julius Böhler, München (seit 1936, zwischenzeitlich ins Ausweichlager Penk, Oberpfalz (?) ausgelagert);
Kunsthandel Paul de Boer, Amsterdam (1954-1957); Kunsthandel Julius Böhler, München, 1962 verkauft an Fritz Mailänder (1897-1984), Fürth;
Privatbesitz, Süddeutschland. Taxation: differenzbesteuert (VAT: Margin Scheme)
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10.000 - 15.000 EUR
Dirck Hals (1591 – Haarlem – 1656) – Vornehme Gesellschaft im Freien. Öl auf Holz, parkettiert. (2. Hälfte 1620er Jahre). 57,8 x 85,2 cm. Verso mit diversen Nummerierungen. Gerahmt. Dirck Hals, jüngster Bruder des berühmteren Frans Hals (1580-1666), ist vor allem für seine Darstellungen fröhlicher Gartenfeste („Buiten-partijs“) und Gesellschaftsstücke mit amourösen Anspielungen bekannt. Eine elegante Gästeschar hat sich im Freien an einer gedeckten Tafel eingefunden. Während rechts der Wein in einem Wasserzuber kalt gestellt wird, haben sich bereits Paare gebildet – man macht sich schöne Augen. Den Speisen schenkt derweil niemand Beachtung. Die Pasteten liegen unangetastet auf dem Tablett, links hat man die vollen Weingläser außer Reichweite auf einer Mauer abgestellt. Während das Essen ruht, scheinen die lockeren Gespräche in vollem Gange zu sein. Die Terrasse öffnet sich im Hintergrund zu einer barocken Parkanlage mit Pavillon, die zum Flanieren einlädt – am besten untergehakt. Die Thematik schließt an die Tradition der Liebesgärten des 16. Jahrhunderts an, in denen sich junge Liebespaare in reizvoller Umgebung vergnügten. Vorliegendes Bild war Teil der bedeutenden Gemäldesammlung des in Berlin lebenden jüdischen Textilfabrikanten Richard Semmel (1875 Zobten, Schlesien – 1950 New York), seit 1902 Prokurist und seit 1919 alleiniger Inhaber der Wäschefabrik Arthur Samulon & Co. Er hatte Ende der 1920er Jahre eine Sammlung aufgebaut, die den großen Sammlern der Weimarer Republik in nichts nachstehen sollte. Sie enthielt Arbeiten von Jan van Scorel, Dirck Hals, Bernardo Strozzi, aber auch von Paul Gauguin, Pierre Auguste Renoir, Camille Pissarro und von Vincent van Gogh. Der Kunsthistoriker und Museumsleiter Dr. Paul Wescher verfasste 1930 eine Würdigung der Gemälde der Sammlung Semmel in: Pantheon, Monatsschrift für Freunde und Sammler der Kunst, Bd. 5, Januar – Juni 1930, S.275-278. Im April 1933 nach der Machtergreifung der NSDAP emigrierte Richard Semmel nach Amsterdam und flüchtete 1940 vor dem Einmarsch der Deutschen in die Niederlande über Chile und Kuba nach New York, wo er 1950 starb. Mit den Erben nach Richard Semmel wird im April 2024 eine Vereinbarung im Sinne des Washingtoner Abkommens geschlossen. Literatur:
Britta Nehlsen-Marten, Dirck Hals 1591-1656. Œuvre und Entwicklung eines Haarlemer Genremalers, Weimar 2003, Kat.-Nr. 39, Abb. 120. Provenienz:
Jacob Hecht, Berlin, Auktion VI, 17. und 18.3.1925, Los 215a;
Richard Semmel (1875–1950), Berlin, Amsterdam, New York;
Frederik Muller & Cie., Amsterdam, Auktion, 21.11.1933, Los 19, mit Abb. (laut Weltkunst, Jg. VII, Nr. 52/53, vom 24.12.1933, S. 4, für 1450 fl. verkauft;
Kunsthandel Pieter de Boer, Amsterdam;
Privatsammlung, Würzburg;
durch Erbfolge in Familienbesitz, Unterfranken (seit 1945);
Privatsammlung, Süddeutschland. Taxation: differenzbesteuert (VAT: Margin Scheme)
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1
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EUR
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8.000 - 10.000 EUR
Caspar Netscher (Nachfolge) (1639 Heidelberg – Den Haag 1684) – Bildnis einer vornehmen Dame vor einer Parkkulisse in der Abenddämmerung. Öl auf Leinwand, doubliert. (Um 1690). 155,3 x 125 cm. Verso oben auf dem Keilrahmen beschriftet „Schloßs II. weil K. Mutter Speisezimm/ rechts Wand. Mitte“ und mit weißer Kreide nummeriert „120“. Gerahmt. Das Bild wurde ehemals als „in der Art des Nicolas de Largillière (1656 – Paris – 1746)" versteigert (s. RKD Abb.-Nr. 1032058). Vermutlich ist der Maler ein Nachfolger des für das Haus Wittelsbach tätigen Hofmalers Caspar Netscher. Wir danken Sabine van Beek, RKD, Den Haag, für freundliche Hinweise bei der Katalogisierung dieses Loses (E-Mail vom 8.4.2024). Provenienz:
Wittelsbacher Besitz, Schloss Schleißheim II;
Wohl sog. „Schleißheimer Versteigerung“, 1852, aus den Depots der Kgl. Centralgemäldegallerie;
Internationales Kunst- und Auktions-Haus, Berlin, Auktion, 12.3.1935, Los 95 (als „Art des Largillière), Tafel 14;
Privatbesitz, Hessen. Taxation: differenzbesteuert (VAT: Margin Scheme)
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Betrag
1
Ihr Maximalgebot
EUR
Schätzpreis
5.000 - 8.000 EUR
Dirck Hals (1591 – Haarlem – 1656) – Interieur mit Tricktrack-Spielern und weintrinkendem Paar. Öl auf Holz. (1620/30er Jahre). 28,8 x 43,3 cm. Gerahmt. Das Interieur zeigt vier Personen, um einen Tisch versammelt, die jeweils paarweise agieren. Zwei der Kavaliere sind ins Trick-Track-Spiel, eine Art Backgammon, vertieft, links amüsiert sich eine Dame mit ihrem Tischnachbarn, der gerade eine Partie aussetzt, und reicht ihm ein Glas Wein. Das Motiv der beiden über den Spieltisch gebeugten Männer findet sich auch auf anderen Gemälden von Dirck Hals wieder (vgl. Dirck Hals (gemeinsam mit Dirck van Delen), Feier in einem Renaissancesaal, 1628, Frans Hals Museum, Haarlem, Inv.-Nr. 75-318). Britta Nehlsen-Marten verwies auf die für Hals ungewöhnliche Gedrungenheit der Figuren und siedelte die Arbeit im Umkreis des Künstlers an. Das Gemälde ist unter der Abbildungsnummer 0000193790 beim RKD, Den Haag, registriert (als Dirck Hals). Literatur:
Herwig Guratzsch (Hrsg.), bearb. von Dietulf Sander, Museum der Bildenden Künste Leipzig. Katalog der Gemälde, Stuttgart 1995, S. 233, Kat.-Nr. 553;
Britta Nehlsen-Marten, Dirck Hals 1591-1656. Œuvre und Entwicklung eines Haarlemer Genremalers, Weimar 2003, Kat.-Nr. 138 (als „eher Umkreis von D. Hals“). Provenienz:
Ehemals Thiem'sche Stiftung 1886, Museum Leipzig, verso mit der handschriftlichen Kat.-Nr. 553 (Das Gemälde wurde 1933 im Tausch gegen eine Berglandschaft von Valckenborch (Inv.-Nr. 1240) an P. de Boer abgegeben);
Kunsthandel Pieter de Boer, Amsterdam;
Privatsammlung, Unterfranken, in obigem Kunsthandel 1943 erworben (mit Transportanweisung des holländischen Spediteurs vom 28.4.1943 in Kopie);
Privatsammlung, Süddeutschland. Taxation: differenzbesteuert (VAT: Margin Scheme)
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9
Betrag
1
Ihr Maximalgebot
EUR
Schätzpreis
6.000 - 8.000 EUR
Gaspar Peeter Verbruggen D. J. (1664 – Antwerpen – 1730) – Großes Blumenstillleben in einer Bronzevase. Öl auf Leinwand, doubliert. 1693. 82 x 62 cm. Unten rechts signiert und datiert „Gaspary Verbruggen ft 1693“. Gerahmt. Vor braunem Hintergrund auf einer steinernen Brüstung stehend eine polierte Bronzevase mit einem üppigen Blumenarrangement aus Rosen, geflammten Tulpen, Anemonen, Schneeball, Zinnien und blauen Prunkwinden. Verbruggen war einer der herausragenden flämischen Blumenstillleben-Maler am Ende des 17. Jahrhunderts. Von seinem Vater ausgebildet, wurde er bereits im Alter von 13 Jahren Meister der Antwerpener St. Lucasgilde und 1691/92 schließlich zum Dekan ernannt. Zu seinen Schülern gehörten u.a. Jacob Melchior van Heck und Peter Frans Casteels. Sein Lebensstil war wie seine Blumenbouquets vom Überfluss geprägt und nötigte ihn dazu, 1703 einige Gemälde aus seinem Besitz versteigern zu lassen und nach Den Haag überzusiedeln, um seinen Gläubigern zu entgehen. Erst 1723 erfolgte die Rückkehr nach Antwerpen. Seine stets dekorativen Kompositionen zeichnen sich durch einen naturalistischen Detailreichtum und eine leuchtende Farbkraft aus. Das Bild ist im RKD unter der Nummer 1001088036 als Arbeit des Künstlers gelistet. Provenienz:
Van Ham, Köln, Auktion, 19.11.2010, Los 519 (als Nachfolge Gaspar Pieter Verbruggen d. J.);
Tajan, Paris, Auktion, 30.3.2011, Los 52;
Ketterer, München, Auktion, 21.11.2014, Los 132;
Privatsammlung, Deutschland. Taxation: differenzbesteuert (VAT: Margin Scheme)
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Höchstbieter
10
Betrag
1
Ihr Maximalgebot
EUR
Schätzpreis
3.000 - 4.000 EUR
Gaspar Peeter Verbruggen D. J. (Zugeschrieben) (1664 - Antwerpen - 1730) – Tulpen und Orangenblüten in Fayencevase. Öl auf Leinwand, doubliert. 55,5 x 41,5. Verso auf dem Keilrahmen zwei alte Klebeetiketten der Galerie Commeter, Hamburg, mit Verweis auf ein Gutachten von Dr. M.J. Binder, ehemals Direktor der staatlichen Museen, Berlin (als „Verbruggen I.“). Gerahmt. Provenienz:
Privatsammlung, Deutschland. Taxation: differenzbesteuert (VAT: Margin Scheme)
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Höchstbieter
11
Betrag
1
Ihr Maximalgebot
EUR
Schätzpreis
15.000 - 20.000 EUR
Gaspar Peeter Verbruggen D. J. (1664 – Antwerpen – 1730) – Junge Frau mit Putto und Blumengirlande. Öl auf Leinwand, doubliert. (1690er Jahre). 89,5 x 139,7 cm. Gerahmt. Verbruggens prächtige Blütengirlanden, die er oft aus Steinvasen fließen lässt und meist mit allegorischen Frauengestalten belebte, sind eine Weiterentwicklung des von Jan Brueghel d.Ä. zu Beginn des 17. Jahrhunderts erfundenen Genres. Fred G. Meijer datiert die Entstehung des vorliegenden Gemäldes in die 1690er Jahre, somit noch in die Antwerpener Schaffensperiode des großen Blumenmalers. Obwohl Verbruggen üblicherweise seine Figuren von befreundeten Figurenmalern in seine Bilder malen ließ, scheint er, so Ertz, die junge Frau und den Putto im Stile Peter Ykens (1648 – Antwerpen – 1695) selbst gemalt zu haben. Sie fügen sich harmonisch zu den mit breitem Pinsel aufgebrachten Blüten, in denen sich der Einfluss von Jean-Baptiste Monnoyer zeige. Mit einem Gutachten und einer Fotoexpertise von Dr. Klaus Ertz, Lingen, datiert 24.3.2022. Provenienz:
Privatbesitz, Süddeutschland. Taxation: differenzbesteuert (VAT: Margin Scheme)
Hervorgehobene Lose
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Höchstbieter
Gewonnen
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Verloren
Abgelehnt
Unter Mindestpreis
Höchstbieter
Betrag
1
Ihr Maximalgebot
EUR
Schätzpreis
3.000 - 4.000 EUR
Abraham van Cuylenborch (1620 - Utrecht - 1658) – Puttenreigen in einer Felsgrotte. Öl auf Eichenholz, parkettiert. 36,9 x 50 cm. Undeutlich monogrammiert unten rechts. Gerahmt. Provenienz:
Privatbesitz, Hessen. Taxation: differenzbesteuert (VAT: Margin Scheme)
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Unter Mindestpreis
Höchstbieter
Betrag
1
Ihr Maximalgebot
EUR
Schätzpreis
3.000 - 4.000 EUR
Roelof Koets I (um 1592 – Haarlem – 1654) – Früchtestillleben mit Römer, Pfirsichen und Trauben. Öl auf Leinwand, doubliert. 1642. 61,1 x 51 cm. Signiert und datiert im Unterrand links. Verso auf dem Keilrahmen mit einem schwach druckenden Stempel „bekröntes Wappen“. Gerahmt. Provenienz:
Privatbesitz, Süddeutschland. Taxation: differenzbesteuert (VAT: Margin Scheme)
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Unter Mindestpreis
Höchstbieter
14
Betrag
1
Ihr Maximalgebot
EUR
Schätzpreis
5.000 - 7.000 EUR
Jacob Foppens van Es (Umkreis) (um 1596 - Antwerpen - 1666) – Banketje mit Hummer, Austern, Broten und einer Zitrone. Öl auf Leinwand, doubliert. Unten rechts bezeichnet „J D D Heem“. Verso auf altem Etikett nummeriert „1006“ sowie „1527“. Gerahmt. Aufgrund der Speiseauswahl und durch die strenge, genau austarierte Komposition kann der Maler dieses Stilllebens im Umfeld des Jacob van Es vermutet werden. Eine Variante der Komposition wurde bei am 16.11.2012 in Köln versteigert. Mit dem gekochten Hummer, angerichtet auf einem Delfter Porzellanteller, wird ein farblicher Akzent gesetzt. Gefährlich nah an der Tischkante kullert eine Zitrone, wahrscheinlich zum Beträufeln der Austernhälften, die verzehrfertig auf einem polierten Silbertellerchen liegen; dahinter ein Weidenkorb mit runden Broten, einer Korbflasche und einem Krug aus Steingut. Obwohl kein Zweifel daran besteht, dass hier Essluxus vorgeführt wird, war mit der Mahlzeit noch immer die Vorstellung einer religiösen Symbolik verknüpft: Brot und Wein geben einen Hinweis auf die Eucharistie, das rote Schalentier gemahnt ebenfalls an das vergossene Blut Christi. Provenienz:
Privatbesitz, Süddeutschland. Taxation: differenzbesteuert (VAT: Margin Scheme)
Hervorgehobene Lose
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Höchstbieter
Gewonnen
Überboten
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Abgelehnt
Unter Mindestpreis
Höchstbieter
15
Betrag
1
Ihr Maximalgebot
EUR
Schätzpreis
3.000 - 4.000 EUR
Jacob van Ruisdael (Nachfolge) (1628/29 Haarlem – Amsterdam 1682) – Flusslandschaft mit Gittertor zu einem Bauernhaus, links eine Windmühle. Öl auf Holz (im Oktogon). (3. Viertel des 17. Jhs.). 27,7 x 36,7 cm. Verso mit alter Auktionsnotiz sowie mit gravierter Metallplakette „23“. Gerahmt. Thematisch und kompositionell erinnert das Bild an ein 1646 datiertes Gemälde Jacob van Ruisdaels, das beim RKD unter https://rkd.nl/images/3094 registriert ist. Ebenso könnte eine Verbindung zum Werk eines Meindert Hobbema-Nachfolgers bestehen, registriert unter https://rkd.nl/images/253939. Wir danken Ellis Dullaart, RKD, Den Haag, für freundliche Hinweise bei der Katalogisierung dieses Loses (E-Mail vom 25.3.2024). Provenienz:
Privatbesitz, Süddeutschland. Taxation: differenzbesteuert (VAT: Margin Scheme)
Hervorgehobene Lose
Zuschlag unter Vorbehalt
Höchstbieter
Gewonnen
Überboten
Verloren
Abgelehnt
Unter Mindestpreis
Höchstbieter
16
Betrag
1
Ihr Maximalgebot
EUR
Schätzpreis
3.000 - 4.000 EUR
Willem Hermansz. van Diest (Zugeschrieben) (1610 – Den Haag – 1670) – Segelschiffe und Fischer auf ruhigem Meer. Öl auf Holz. (Um 1640). 32,4 x 36,8 cm. Verso mit diversen alten Klebeetiketten. Gerahmt. Provenienz:
Kunsthandel Pieter de Boer, Amsterdam;
Privatsammlung, Süddeutschland. Taxation: differenzbesteuert (VAT: Margin Scheme)
Hervorgehobene Lose
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Höchstbieter
Gewonnen
Überboten
Verloren
Abgelehnt
Unter Mindestpreis
Höchstbieter
17
Betrag
1
Ihr Maximalgebot
EUR
Schätzpreis
7.000 - 8.000 EUR
Jacob van Ruisdael (Nachfolge) (1628/29 Haarlem – Amsterdam 1682) – Baumbestandener Weg mit Reitern und anderen Figuren. Öl auf Leinwand, doubliert. (2. Hälfte des 17. Jhs.). 78,7 x 65,7 cm. Auf Keilrahmen alt bezeichnet „Hobima“ (sic). Verso zweimal mit Etikett (Nr. „43“). Gerahmt. Wir danken Ellis Dullaart, RKD, Den Haag, für freundliche Hinweise bei der Katalogisierung des Werks (E-Mail vom 12.3.2024). Provenienz:
Messrs. Lewis & Son (Objets d'Art) Ltd., Brighton;
Messrs. Christie, Manson & Woods, London, Auktion, 18.11.1932, Los 61 (als „Hobbema"), verso mit Klebeetikett, verkauft an „Grat“ (?);
Privatbesitz, Süddeutschland. Taxation: differenzbesteuert (VAT: Margin Scheme)
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Höchstbieter
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Verloren
Abgelehnt
Unter Mindestpreis
Höchstbieter
Betrag
1
Ihr Maximalgebot
EUR
Schätzpreis
3.000 - 4.000 EUR
Deutsch – Pendants: Bergpredigt – Predigt Johannes des Täufers. Öl auf Leinwand, doubliert. (1. Hälfte des 18. Jhs.). Jeweils 67,2 x 82,5 cm. Gerahmt. Provenienz:
Privatbesitz, Hessen. Taxation: differenzbesteuert (VAT: Margin Scheme)
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Höchstbieter
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Abgelehnt
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Höchstbieter
Betrag
1
Ihr Maximalgebot
EUR
Schätzpreis
3.000 - 4.000 EUR
Abraham Teniers (1629 - Antwerpen - 1670) – Würfel- und Kegelspieler vor einem Gasthaus. Öl auf Leinwand, doubliert. (Um 1650). 50,1 x 68,5 cm. Bezeichnet unten rechts auf dem Stein „D TENIERS F". Gerahmt. Literatur zum Vergleichsbild:
Margret Klinge in: Ausstellungskatalog: David Teniers de Jonge. Schilderijen. Tekeningen. Antwerpen, Koninklijk Museum voor schone Kunsten, 11. Mai – 1. September 1991, Nr. 30, S. 106f. Die Darstellung folgt in weiten Teilen einer berühmten Komposition David Teniers II. aus den 1640er Jahren, die sich heute in einer Londoner Privatsammlung befindet (s. Vergleichsliteratur). Margret Klinge hat im März 2024 das vorliegende Bild nach Prüfung des Originals als charakteristische Arbeit von Abraham Teniers, dem jüngeren Bruder David Teniers, identifiziert. Abraham hatte seine Ausbildung wahrscheinlich bei David absolviert und wurde um 1645/46 als Meister in die Antwerpener St. Lukasgilde aufgenommen, in der David das Amt des Dekans ausübte. Thematisch und stilistisch orientierte sich Abraham am Werk seines über 20 Jahre älteren Bruders, doch ist er im Gesamten dekorativer und weniger fein im Detail als jener. Mit einer schriftlichen Bestätigung von Dr. Margret Klinge vom April 2024. Provenienz:
Sammlung John Webb, Esq. (1799-1880),
Philipps, London, Auktion, 31.5.1821, Los 184, verso auf Etikett beschriftet;
George James Cholmondeley, Esq. (1752-1830), in obiger Auktion erworben;
George Squibb, London, Auktion, 23.4.1831, Los 66;
Mr Townley, in obiger Auktion erworben;
Sammlung Lord Ormathwaite (wohl 2nd Baron Ormathwaite, 1827-1920), Mai 1893, laut handschriftlichem Etikett auf dem Keilrahmen;
Sammlung Mary Heilmann-Stuck (1896-1961) und Generalkonsul Albert Heilmann (1886-1949), Villa Stuck, München, verso auf der Leinwand mit dem Sammlungsetikett;
im Juni 1944 über die Bayerischen Staatsgemäldesammlungen aus der Villa Stuck in das Bergungsdepot Höglwörth ausgelagert (Nr. 36 der Liste als „Teniers, Wirtshausszene“);
1948 rückerstattet an Konsul Albert Heilmann, Äußere Prinzregentenstr. 4, München;
im Erbgang an Otto Heilmann (1919-1971), München;
danach Privatbesitz, Süddeutschland. Taxation: differenzbesteuert (VAT: Margin Scheme)
Hervorgehobene Lose
Zuschlag unter Vorbehalt
Höchstbieter
Gewonnen
Überboten
Verloren
Abgelehnt
Unter Mindestpreis
Höchstbieter
20
Betrag
1
Ihr Maximalgebot
EUR
Schätzpreis
3.000 - 4.000 EUR
Theobald Michau (1676 Tournai - Antwerpen 1765) – Küstenlandschaft mit Fährboot und Staffagefiguren. Öl auf Holz. 25,7 x 35,4 cm. Gerahmt. Die Landschaften von Theobald Michau lehnen sich eng an die Gemälde von Jan Brueghel d.J. an. Dabei bevorzugte er weite, ländlich geprägte Landschaften, bei denen insbesondere die bunte Staffage mit Bauern, Hirten und Reisenden an das Vorbild des 17. Jahrhunderts erinnert. Michaus oftmals miniaturhaft fein ausgeführten, in mildes Licht getauchten Landschaftsbilder waren im Antwerpen des 18. Jahrhunderts begehrte Sammlungsobjekte. Provenienz:
Christie's, London, Auktion, 30.4.1982, Los 102;
seitdem in Privatbesitz, Süddeutschland. Taxation: differenzbesteuert (VAT: Margin Scheme)
Hervorgehobene Lose
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Höchstbieter
Gewonnen
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Verloren
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Unter Mindestpreis
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Betrag
1
Ihr Maximalgebot
EUR
Schätzpreis
10.000 - 15.000 EUR
Venezianisch – Madonna mit Kind. Öl auf Leinwand, teils randdoubliert. (Ende 17. bis 1. Viertel 18. Jh.). 123,3 x 94,6 cm. Gerahmt. Der Maler dieser anmutigen nächtlichen Szene konnte bislang nicht ermittelt werden, doch dürfte er aufgrund der dunkeltonigen Farbgebung, dem eleganten Figurenstil und dem weichen Sfumato den venezianischen Tenebrosi in der Zeit des Übergangs vom Hoch- zum Spätbarock angehört haben. Eine Nähe zu Francesco Pittoni, dem Onkel des berühmteren Giambattista Pittoni, ist spürbar (vgl. dessen Altarbild des „Tempelgangs Mariens" in der Kirche San Lorenzo in Vicenza), doch erreicht jener nur selten die Qualität vorliegenden Werks. Das Gemälde befand sich einst im Besitz von Mary Heilmann-Stuck, der Tochter Franz von Stucks, und ihres Ehemanns, Albert Heilmann. Im Juni 1944 wurde es gemeinsam mit anderen Werken und Bildern Franz von Stucks aus der Villa Stuck in das Bergungsdepot Höglwörth ausgelagert und 1948 an die Familie Heilmann-Stuck zurückgegeben. Wir danken Dr. Roberto Contini, Berlin, für freundliche Hinweise bei der Katalogisierung des Werks. Provenienz:
Sammlung Mary Heilmann-Stuck (1896-1961) und Generalkonsul Albert Heilmann (1886-1949), Villa Stuck, München, verso auf der Leinwand mit dem Sammlungsetikett;
im Juni 1944 über die Bayerischen Staatsgemäldesammlungen aus der Villa Stuck in das Bergungsdepot Höglwörth ausgelagert (Nr. 69 der Liste als „Italienisch Früh");
Central Collecting Point, München, dort am 24.4.1946 registriert (als „old – Italian" 18th cent.) mit der Nr. „25637“;
am 17.11.1948 rückerstattet an Konsul Albert Heilmann, Äußere Prinzregentenstr. 4, München;
im Erbgang an Otto Heilmann (1919-1971), München;
danach Privatbesitz, Süddeutschland. Taxation: differenzbesteuert (VAT: Margin Scheme)
Hervorgehobene Lose
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1
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EUR
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3.000 - 5.000 EUR
Venezianisch (Pietro Liberi ?) – Drei Musizierende mit Streichinstrumenten. Öl auf Leinwand, doubliert, nach Paolo Veronese. (17. Jh.). 40,1 x 66,6 cm. Gerahmt. Nach einem Fresko Paolo Caliaris, gen. „il Veronese“, in der Stanza dell’amore coniugale, Villa Barbaro, in Maser (Treviso). 1958/59 in der Stuttgarter Staatsgalerie ausgestellt, wurde das Streicher-Terzett noch Veronese zugeschrieben, bevor Rodolfo Pallucchini einen venezianischen Maler des 17. Jh., nämlich Pietro Liberi (1605–1687), vorschlug. Liberi lernte bei dem ebenfalls aus Padua stammenden Alessandro Varotari („il Padovanino“) und war somit ein Nachfahre der großen venezianischen Maltradition des Cinquecento. Literatur:
Ugo Ruggeri, Pietro e Marco Liberi. Pittori nella Venezia del Seicento, Rimini 1996, S. 123, Kat.-Nr. P 25, mit Abb. S. 124 (als Pietro Liberi). Ausstellung:
Meisterwerke aus baden-württembergischem Privatbesitz, Staatsgalerie Stuttgart, 1958/59 (ausgestellt als Paolo Veronese). Provenienz:
Sammlung Conte de Sommariva, 1839;
Sammlung Prinzessin Mathilde;
Sammlung Baron Vita, diese und die vorausgehenden Besitzer verso auf altem Klebeetikett gelistet;
Sotheby's, Auktion, wohl 1960er Jahre, verso mit diversen Klebeetiketten, Los 192;
Richard H. Zinser (1884-1984), New York;
seitdem in Familienbesitz, USA. Taxation: Differenzbesteuert zzgl. 7% (VAT: Margin Scheme (non EU))
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Abgelehnt
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Betrag
1
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EUR
Schätzpreis
3.000 - 4.000 EUR
Toskanisch – Venus und Adonis. Öl auf Leinwand, doubliert. (Um 1640/50). 105,6 x 96,8 cm. Gerahmt. Wir danken Dr. Sandro Bellesi, Florenz, für freundliche Hinweise bei der Katalogisierung dieses Werks. Provenienz:
Privatbesitz, Süddeutschland. Taxation: differenzbesteuert (VAT: Margin Scheme)
Hervorgehobene Lose
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1
Ihr Maximalgebot
EUR
Schätzpreis
40.000 - 50.000 EUR
Anton Graff (1736 Wintherthur - Dresden 1813) – Selbstbildnis vor der Staffelei, dahinter Christoph August Tiedge. Öl auf Leinwand, doubliert. (Um 1803). 66,7 x 48,3 cm. In einem originalen Rokoko-Rahmen. Es gibt kaum einen anderen Künstler des 18. Jahrhunderts, der sich in Selbstbildnissen so oft selbst beobachtet hat wie der in Dresden als sächsischer Hofmaler tätige, aus der Schweiz stammende Anton Graff. Ekhart Berckenhagen, der Verfasser des Werkverzeichnisses von Graff, führt nicht weniger als 80 Selbstbildnisse auf, darunter gleichsam ikonisch herausragend das berühmte Bildnis in Leipzig, das den Maler in lässiger Pose an der Staffelei arbeitend zeigt, und das nicht minder bekannte Bildnis in Dresden als 58-Jähriger, auf dem sich Graff auf einem Stuhl sitzend, Pinsel und Palette in der Linken, von der Leinwand ab- und dem Betrachter zuwendet. Letzteres hat Graff vor allem als Hüftbild oft wiederholt, und so ist es auch 1797 durch einen Stich des Stuttgarter Kupferstechers Johann Gotthard Müller verbreitet worden. Auch unser Gemälde geht auf das 1794/95 entstandene Selbstbildnis in Dresden zurück, auf dem sich der Maler in ganzer Figur zeigt. Auch hier hat sich der Maler von der Leinwand ab- und dem Betrachter:in zugewendet, leger den rechten Arm über die Stuhllehne gelegt, schafft sein wacher Blick eine unmittelbare Beziehung zwischen Porträtiertem und Betrachtern. Für diese Unmittelbarkeit der Begegnung wurde Graff von seinen Zeitgenossen gerühmt. Sie erkannten die Größe seiner Porträtkunst darin, dass Graff den ganzen Menschen gemalt hätte – nicht nur dessen körperliche Erscheinung, sondern darin zugleich auch seine Seele. Graffs Blick drang „bis in das Innere der Seele“, wie der Kunsttheoretiker und Freund Graffs, Johann Georg Sulzer, treffend formulierte. Es ist die feine Psychologisierung, die auch aus dem Antlitz des Künstlers spricht, zwischen standesgemäßer Repräsentation und Nachdenklichkeit: Das Gesicht hell ausgeleuchtet, legt Graff sein Antlitz offen, das in den fest zusammengepressten Lippen und den Augenbrauen Wachsamkeit und Anspannung signalisiert. Im Gegensatz dazu steht seine lässige Pose, zu der, wie häufig bei Graff, die „beredten“ Hände gehören, die im Bild „aktiv“ sind: Der über die Stuhllehne gelegte Arm steht dem Betrachter am nächsten, ist nahezu greifbar. Gegenüber dem Dresdner Selbstbildnis hat Graff das Arrangement seines Bildnisses hier erweitert – während er in Dresden vor einer leeren Leinwand sitzt, arbeitet er hier an einem Ovalbildnis einer Dame, die den damaligen Zeitgenossen wohl bekannt war: Es handelt sich um ein Bildnis der Elisa von der Recke (1754-1833), Salondame und Gelegenheitsdichterin, die Berühmtheit erlangte, als sie 1787 die Scharlatanerien Alessandro Cagliostros entlarvte, der halb Europa beschwindelt hatte. 1795 hatte sie sich das erste Mal von Graff malen lassen, und ihr Bildnis auf unserem Gemälde geht zurück auf eine Zeichnung, die Graff wohl 1798 anlässlich eines Besuchs der Recke in Dresden angefertigt hat (heute Düsseldorf, Goethe-Museum, Kippenberg-Stiftung, vgl. Berckenhagen 1132). Hinter ihrem Bildnis lehnt an einer Kommode, in einem Buch lesend, ein Mann mittleren Alters – es ist der Dichter Christoph August Tiedge (1752-1841), ein Weggefährte ihrer Seele und bekannt durch die Vertonungen einiger seiner Gedichte durch Ludwig van Beethoven. Von der Recke lebte mit Tiedge, der sie auch auf ihrer von 1804 bis 1806 unternommenen Italienreise begleitet hatte, seit 1803 „in ständiger Gemeinschaft mit dem Dichter“ (Berckenhagen). Beide hatte Graff bereits vor 1800 gemalt und gezeichnet, doch nicht zusammen. Wahrscheinlich hat Graff das Gemälde für einen der beiden gemalt, doch erscheint auch möglich, dass es noch vor der Abreise der beiden nach Italien im Sinne eines romantischen Freundschaftsbildes entstand, das der Maler dann den beiden Reisenden zugeeignet hätte. Dr. Peter Prange Mit einem Gutachten von Prof. Dr. Helmut Börsch-Supan, Berlin, datiert 13.9.2023. Literatur:
Die Kunst für Alle, XXXIX. Jg., München 1923-24, S. 345 (ohne Abb.);
Eberhard Lutze, in: Fränkischer Kurier (Nürnberg), Nr. 336 v. 3.12.1936, mit Abb.;
Ekhart Berckenhagen, Anton Graff. Leben und Werk, Berlin 1967, S. 158, Kat.-Nr. 512. Ausstellung:
Dresdner Malerei 1750-1850, Galerie Paul Rusch, Dresden 1924. Provenienz:
Galerie Paul Rusch, Dresden, 1924;
Privatbesitz, Franken (1936);
Privatbesitz, Süddeutschland. Taxation: differenzbesteuert (VAT: Margin Scheme)
Hervorgehobene Lose
Zuschlag unter Vorbehalt
Höchstbieter
Gewonnen
Überboten
Verloren
Abgelehnt
Unter Mindestpreis
Höchstbieter
Betrag
1
Ihr Maximalgebot
EUR
Schätzpreis
8.000 - 10.000 EUR
François Boucher (Nachfolge) (1703 – Paris – 1770) – Flötespielende Muse (Euterpe?). Öl auf Leinwand, doubliert (im Queroval). (Wohl 2. Hälfte 18. Jh.). 62,7 x 110,9 cm. Gerahmt. Provenienz:
Privatbesitz, Süddeutschland. Taxation: differenzbesteuert (VAT: Margin Scheme)
Hervorgehobene Lose
Zuschlag unter Vorbehalt
Höchstbieter
Gewonnen
Überboten
Verloren
Abgelehnt
Unter Mindestpreis
Höchstbieter
26
Betrag
1
Ihr Maximalgebot
EUR
Schätzpreis
3.000 - 4.000 EUR
Thomas Ross (tätig 1730-1746 in Gloucester und Suffolk) – Bildnis einer jungen Dame mit Hündchen auf dem Schoß und Kirschen in der Hand. Öl auf Leinwand, doubliert. (Um 1730/40). 76,5 x 63,5 cm. Rechts auf der Vase signiert „T Roß Pinx“. Gerahmt. Provenienz:
Kunstauktionen Ruef, Landshut, Auktion, 23.9.2013, Los 22 (als Anonym Französisch 18. Jh.);
Privatsammlung, Deutschland. Taxation: differenzbesteuert (VAT: Margin Scheme)
Hervorgehobene Lose
Zuschlag unter Vorbehalt
Höchstbieter
Gewonnen
Überboten
Verloren
Abgelehnt
Unter Mindestpreis
Höchstbieter
Betrag
1
Ihr Maximalgebot
EUR
Schätzpreis
3.000 - 4.000 EUR
Italienisch – Büste der Mater Dolorosa. Gebrannter Ton, farbig gefasst (alte Fassung) und innen ausgehöhlt. (Um 1520/1530). 30 x 27 x 13 cm. Der Künstler dürfte dem marchesischen Umfeld des Marco („Fra' Mattia") della Robbia entstammen, der der 3. Generation der bedeutenden florentinischen Künstlerfamilie angehörte. – Etwas angeschmutzt. Fassung teils leicht berieben, stellenweise mit winzigen Abplatzungen und feinen Risschen auf dem Nasenrücken. Die untere Kante am roten Gewand mit Bestoßungen. In altersgemäß guter Erhaltung. Wir danken Dr. Francesca Petrucci, Florenz, für freundliche Hinweise bei der Katalogisierung dieses Loses. Provenienz:
Sammlung Mary Heilmann-Stuck (1896-1961) und Generalkonsul Albert Heilmann (1886-1949), Villa Stuck, München;
im Erbgang an Otto Heilmann (1919–1971), München;
danach Privatbesitz, Süddeutschland. Taxation: differenzbesteuert (VAT: Margin Scheme)
Hervorgehobene Lose
Zuschlag unter Vorbehalt
Höchstbieter
Gewonnen
Überboten
Verloren
Abgelehnt
Unter Mindestpreis
Höchstbieter
Betrag
1
Ihr Maximalgebot
EUR
Schätzpreis
5.000 - 7.000 EUR
Eberhard Wächter (1762 Balingen - Stuttgart 1852) – Belisar als Bettler. Öl auf Leinwand, doubliert. (Um 1797). 60,5 x 76,1 cm. Verso auf dem Keilrahmen mit zwei roten Lacksiegeln. Gerahmt. Flavius Belisarius war ein oströmischer General thrakischer Herkunft, der als Feldherr unter Kaiser Justinian I. diente. Die Legende vom geblendeten und als Bettler endenden Belisar fand eine rege Rezeption in der bildenden Kunst, aber auch in der Musik mit der Oper „Belisario“ von Gaetano Donizetti (1836). Eberhard Wächter, der zeitweise selbst ein materiell entbehrungsreiches Leben führte, zeigt Belisar von Schaulustigen umringt, die sich über sein stoisches Wesen empören und ihm spotten, indem sie von dem Besitzlosen Almosen erbitten. Provenienz:
Tajan (S.V.V.), Paris, Auktion, 17.10.2003, Los 62;
Hampel, München, Auktion, 8.12.2006, Los 375;
Fischer, Luzern, Auktion, 14.11.2007, Los 1049;
Privatsammlung, Hessen. Taxation: regelbesteuert (VAT: Regular Taxation)
Hervorgehobene Lose
Zuschlag unter Vorbehalt
Höchstbieter
Gewonnen
Überboten
Verloren
Abgelehnt
Unter Mindestpreis
Höchstbieter
29
Betrag
1
Ihr Maximalgebot
EUR
Schätzpreis
5.000 - 7.000 EUR
Philipp Friedrich von Hetsch (1758 - Stuttgart - 1838) – Herkules am Scheideweg zwischen Tugend und Laster. Öl auf Leinwand. 46,2 x 37,6 cm. Gerahmt. Provenienz:
Lempertz, Köln, Auktion, 19.5.2001, Los 1535 (als Philipp Friedrich Hetsch zugeschr.);
Privatsammlung, Hessen. Taxation: regelbesteuert (VAT: Regular Taxation)
Hervorgehobene Lose
Zuschlag unter Vorbehalt
Höchstbieter
Gewonnen
Überboten
Verloren
Abgelehnt
Unter Mindestpreis
Höchstbieter
Betrag
1
Ihr Maximalgebot
EUR
Schätzpreis
3.000 - 4.000 EUR
August Riedel (1799 Bayreuth – Rom 1883) – Neapolitanische Fischerfamilie vor der Küste. Öl auf Leinwand. 1836. 74,5 x 96,5 cm. Unten links signiert, datiert und ortsbezeichnet „Roma“. Gerahmt. Provenienz:
Dorotheum, Wien (laut Auskunft des Vorbesitzers);
Privatbesitz, München;
durch Erbfolge Privatbesitz, Süddeutschland. Taxation: differenzbesteuert (VAT: Margin Scheme)
Hervorgehobene Lose
Zuschlag unter Vorbehalt
Höchstbieter
Gewonnen
Überboten
Verloren
Abgelehnt
Unter Mindestpreis
Höchstbieter
31
Betrag
1
Ihr Maximalgebot
EUR
Schätzpreis
3.000 - 4.000 EUR
August Albert Zimmermann (1808 Zittau - München 1888) – Blick über einen italienischen Golf im Morgenlicht (Golf von Salerno?). Öl auf Leinwand. 50 x 68,5 cm. Signiert unten rechts. Gerahmt. Provenienz:
Familienbesitz, Süddeutschland, seit Anfang des 20. Jh. Taxation: differenzbesteuert (VAT: Margin Scheme)
Hervorgehobene Lose
Zuschlag unter Vorbehalt
Höchstbieter
Gewonnen
Überboten
Verloren
Abgelehnt
Unter Mindestpreis
Höchstbieter
32
Betrag
1
Ihr Maximalgebot
EUR
Schätzpreis
10.000 - 15.000 EUR
Franz Nadorp (1794 Anholt in Westfalen - Rom 1876) – Römische Campagnalandschaft mit der Villa des Raffael. Öl auf Leinwand. (Um 1850). 91,7 x 121 cm. Auf altem Klebezettel auf dem Keilrahmen bezeichnet „Historische Landschaft von Nadorp in Rom. – Raphael's Villa bei Rom“. Verso mit einem schwer lesbaren Stempel. Gerahmt. 1850 beschickte der in Rom lebende Maler Franz Nadorp die Akademie-Ausstellung in Berlin mit unserem Gemälde, das vordergründig eine römische Landschaft mit dem Ausblick in die Campagna zeigt. Der Blick, teilweise verstellt durch mächtige Pinien, erstreckt sich rechts von St. Peter über die Tiberebene, in der eine Schafherde weidet, bis zu einer Anhöhe mit Schirmpinien. Vor den Pinien liegt ein unscheinbares, schlichtes Gebäude, das gleichwohl in der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts zu den am häufigsten wiedergegebenen Bauwerken Roms gehört – es handelt sich nämlich um die sagenhafte Casina di Raffaello, angeblich das Landhaus des „Göttlichen“ auf dem Pincio, in dem er sich der Legende nach in den Armen seiner Geliebten Fornarina von seiner Arbeit erholte. In Raffaels angeblichem Gartenhaus befanden sich Fresken mit Liebesallegorien, die Schüler Raffaels nach Zeichnungen des Meisters ausgeführt hatten - sie gaben zu dem Trugschluss Anlass, das Gebäude sei Raffaels eigene Villa gewesen. Nadorp, der 1828 nach Rom gekommen und dort im deutschen Künstlerverein als Organisator von verschiedensten Festivitäten aktiv war, hatte sich dort dem Kreis der Nazarener um Friedrich Overbeck und Peter von Cornelius angeschlossen, die sich Raffaels Malerei zum Vorbild religiöser Frömmigkeit und Anmut erkoren hatten. Eine wahre Raffael-Begeisterung hatte Rom in den Jahren nach 1810 erfasst, von der sich auch Nadorp anstecken ließ, der bereits unmittelbar nach seiner Ankunft das Gartenhaus besucht und gezeichnet hatte. Auch sein Gemälde ist Ausdruck dieser Raffael-Bewunderung, auf dem im Vordergrund auf der Parktreppe Raffael seine Geliebte umarmt, doch innehaltend den Blick nach hinten richtet, wo ein Künstler – er trägt eine Zeichenmappe unter dem Arm – nach rechts zu den Zypressen deutet. Dort hat ein Bauer sein Vieh zur Tränke geführt, in ihrem Schatten aber sitzt, in Melancholie versunken, ganz in Schwarz Michelangelo Buonarotti. „Raphael’s Villa bei Rom – im Vordergrunde links Raphael und die Fornarina, rechts Michelangelo unter Zypressen“ heißt es auf dem zeitgenössischen, auf dem Keilrahmen erhaltenen Klebezettel. Für seine Bildnisse von Raffael, der Fornarina und Michelangelo orientierte sich Nadorp an historischen Porträts – etwa Raffaels Selbstbildnis aus der Schule von Athen, an seinem Porträt der Fornarina in der Sammlung Barberini in Rom und für Michelangelo an Jacopo del Contes Bildnis in den Uffizien, während sich hinter dem jungen Künstler mit der Zeichenmappe Nadorp selbst verbergen dürfte. So gerät sein Gemälde nicht nur zu einem eindrucksvollen Zeugnis des Raffael-Kultes im 19. Jahrhundert, sondern zu einer persönlichen Reflexion über den eigenen künstlerischen Weg: Gleichsam wie Herkules am Scheideweg steht er zwischen beiden Künstlern, schreitet auf Raffael zu und weist doch zurück auf den älteren Michelangelo. Der kunsttheoretische Diskurs im frühen 19. Jahrhundert oszillierte zwischen diesen beiden „Übervätern“ der Kunst, doch vergegenwärtigt man sich Nadorps Werdegang, der bereits als Kopist nach Raffael an der Prager Kunstakademie hervortrat und später in Rom mit Nazarenern eng befreundet war, die Raffael huldigten, dann ist sein Gemälde ein Bekenntnis zu Raffael. 1850, als Nadorp sein Gemälde ausstellte, war dieses Bekenntnis allerdings nur noch romantische Reminiszenz, die von der Realität eingeholt worden war – 1849 hatten französische Truppen Rom beschossen und dabei auch die Casina di Raffaello zerstört. Nadorp konnte jedoch auf eine bereits 1843 entstandene, größere Version seines Gemäldes zugreifen, die sich im Besitz des preußischen Königs befand (heute Potsdam, Schloss Sanssouci, Orangerie). Dr. Peter Prange Literatur:
Ulrike Eichler, „Raffaels Villa bei Rom. Gedanken zu einem Gemälde von Franz Nadorp“, in: Weltkunst, München 1979, Heft 12, S. 1566f., mit Abb. Ausstellung:
Akademie-Ausstellung, Berlin, 1850, Nr. 1248. Provenienz:
Leopoldine von Thun-Hohenstein, wohl direkt beim Künstler in Rom erworben;
Sammlung der Grafen von Thun-Hohenstein, Schloss Kwassitz, Mähren, bis zum 2. Weltkrieg;
Neumeister, München, Auktion, 28.6.1979, Los 1496;
Privatbesitz, Süddeutschland. Taxation: differenzbesteuert (VAT: Margin Scheme)
Hervorgehobene Lose
Zuschlag unter Vorbehalt
Höchstbieter
Gewonnen
Überboten
Verloren
Abgelehnt
Unter Mindestpreis
Höchstbieter
Betrag
1
Ihr Maximalgebot
EUR
Schätzpreis
4.500 - 5.500 EUR
Bernhard Fries (1820 Heidelberg - München 1879) – Hochgebirgslandschaft bei Civitella. Öl auf Leinwand. (1860er Jahre). 97,9 x 130,7 cm. Verso auf Keilrahmen ortsbezeichnet „Civitella“, rückseitig zudem eine Sammlungsbeschriftung (?), Nr. „G1737“. Signiert unten links. Gerahmt. Wie sein älterer Bruder Ernst (1801-1833) reiste Bernhard Fries wiederholt nach Italien. Schon in frühester Jugend kam er mit der Kunst Carl Rottmanns in Berührung. 1860, nach dem Konkurs des väterlichen Bankhauses, ließ sich Fries in München nieder, um den Unterhalt seiner Familie mit dem Erlös seiner Malereien zu bestreiten. Dort entstand in den folgenden Jahren bis 1866 sein malerisches Hauptwerk: ein Zyklus von vierzig italienischen Landschaften, den Fries in Anlehnung an die Rottmannschen Italienbilder in den Hofgartenarkaden für einen Pavillon nach Plänen seines Freundes Gottfried Neureuther schuf. Der Bau kam nie zustande, doch sollten die Gemälde in zwei Reihen übereinander in einem Saal angebracht werden, der durch eine Öffnung in der Decke beleuchtet wurde. Danach beabsichtigte Fries, den Zyklus geschlossen an König Ludwig II. zu verkaufen, doch auch dieser Plan schlug fehl, weshalb Fries durch seine Notlage gezwungen war, die Gemälde einzeln zu verkaufen. So sind sie heute in alle Winde verstreut und teilweise nicht mehr nachweisbar. Auch diese Ansicht der bergigen Umgebung bei Civitella scheint ein Bestandteil von besagtem Zyklus gewesen zu sein. Provenienz:
Privatbesitz, Süddeutschland. Taxation: differenzbesteuert (VAT: Margin Scheme)
Hervorgehobene Lose
Zuschlag unter Vorbehalt
Höchstbieter
Gewonnen
Überboten
Verloren
Abgelehnt
Unter Mindestpreis
Höchstbieter
Betrag
1
Ihr Maximalgebot
EUR
Schätzpreis
8.000 - 10.000 EUR
August Wilhelm Schirmer (1802 Berlin - Nyon 1866) – Der Hafen von Pozzuoli. Öl auf Leinwand, doubliert. 1840. 44,8 x 87,8 cm. Ligiert monogrammiert und datiert unten links. Gerahmt. Blick über den Hafen des westlich von Neapel gelegenen Fischerdorfes Pozzuoli. Von der aufsteigenden Sonne in ein warmes Licht getaucht, erhebt sich auf Tuffstein der Rione Terra, eine befestigte, von engen Gassen durchzogene Anlage, die in ihren Grundfesten bis ins 2. Jahrhundert v. Chr. zurückreicht. Rechts ist die Chiesa dell’Assunta a Mare auszumachen, die von zahlreichen Fischerbooten umfahren wird. Offenbar handelt es sich bei dem angebotenen Gemälde um eine zweite Version einer 1838 gemalten Komposition Schirmers, die ehemals im Vortragszimmer Friedrich Wilhelms IV. im Schloss Charlottenburg hing. Diese wurde im 2. Weltkrieg in die Neuen Kammern ausgelagert, kurz vor Kriegsende im August 1945 von der Roten Armee abtransportiert und gilt seitdem als verschollen. Literatur:
Vgl. Margarete Kühn, Die Bauwerke und Kunstdenkmäler von Berlin, Schloß Charlottenburg, 2 Bde., Berlin 1970, Bd. I, S. 73, Bd. II, Abb. 356 (als „Italienischer Hafen bei untergehender Sonne“);
Vgl. Gert Bartoschek, Berliner Biedermeier. Malerei und Grafik aus den Sammlungen der Staatlichen Schlösser und Gärten, Potsdam-Sanssouci 1973, S. 66, Kat.-Nr. 10/20;
Vgl. Eva Sprecher-Uebersax (Hrsg.) und Ilse Baer, August Wilhelm Ferdinand Schirmer (1802-1866). Ein Berliner Landschaftsmaler aus dem Umkreis Karl Friedrich Schinkels, Stiftung Preußische Schlösser und Gärten Berlin-Brandenburg, Berlin 1996, S. 133, Kat.-Nr. 4.9, Abb. S. 132. Taxation: differenzbesteuert (VAT: Margin Scheme)
Hervorgehobene Lose
Zuschlag unter Vorbehalt
Höchstbieter
Gewonnen
Überboten
Verloren
Abgelehnt
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Höchstbieter
Betrag
1
Ihr Maximalgebot
EUR
Schätzpreis
30.000 - 40.000 EUR
Johann Anton Castell (1810 - Dresden - 1867) – Ansicht auf Dresden, Mondschein. Öl auf Leinwand. 1846. 52 x 74,5 cm. Unten rechts signiert („JAC“ ligiert) und datiert. Gerahmt. Leben und Kunstschaffen des Malers Johann Anton Castell sind eng mit Dresden verbunden. Dort studierte er ab 1827 zunächst in der Landschaftsklasse, später in der „Kunstschule“ der Akademie. Ab 1829 besuchte er das Atelier von Johan Christian Clausen Dahl und folgte der romantischen Grundstimmung des in Dresden ansässigen Norwegers. Castell unternahm ausgedehnte Studienreisen nach Böhmen, Wien und Tirol, seine Motive fand er aber vorwiegend in der Umgebung der barocken Kunstmetropole und im Elbsandsteingebirge. Die angebotene Dresden-Ansicht ist ein glänzendes Beispiel für Castells Malkunst; denn statt bei hellichtem Tag zeigt er Dresden bei nächtlichem Firmament. Der Blick schweift vom linken Elbufer über eine Bootsanlegestelle hinweg zur Stadtsilhouette, die vom tief stehenden, im Wasser gespiegelten Vollmond in ein kühles, silbernes Licht getaucht wird. Seitdem Bernardo Bellotto Dresden vom gegenüberliegenden rechten Ufer aus von der Höhe der Neustadt bis zum Pieschener Ufer gemalt hatte, galt der sogenannte „Canaletto-Blick“ als ein Leitmotiv für die Vedutisten des 19. Jahrhunderts. Indem Castell den Standort verlegt, rückt er die Kuppel der Frauenkirche in das Zentrum des Bildes, lediglich überragt von den in den nachtblauen Himmel aufstrebenden Schiffsmasten. Literatur:
Friedrich von Boetticher, Malerwerke des neunzehnten Jahrhunderts, 4 Bde., Dritter, unveränderter Nachdruck, Hofheim am Taunus, H. Schmidt & C. Günther, 1979 (zuerst Fr. v. Boetticher's Verlag, Dresden 1891-1901) hier Bd. 1, S. 173, Kat.-Nr. 5 („Ansicht auf Dresden, Mondschein“). Ausstellung:
Verzeichniß der (…) öffentlich ausgestellten Werke der bildenden Kunst, Königlich Sächsische Akademie der Künste, Dresden 1846, Kat.-Nr. 198 („Mondscheinlandschaft, Ansicht auf Dresden“). Provenienz:
Privatsammlung, Frankreich, wohl seit dem 19. Jahrhundert;
Grisebach, Berlin, Auktion, 30.5.2018, Los 111;
Privatsammlung, Deutschland. Taxation: differenzbesteuert (VAT: Margin Scheme)
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1
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5.000 - 7.000 EUR
Dresden, um 1830/40 – Meeresküste im Mondschein mit verweilendem Paar, in der Ferne ein Segelschiff. Öl auf Leinwand. 35,7 x 41,6 cm. Gerahmt. Provenienz:
Privatbesitz, verso auf altem Sammleretikett undeutlich beschriftet „Anna Dreist“ (?). Taxation: differenzbesteuert (VAT: Margin Scheme)
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3.000 - 4.000 EUR
Frederik Michael Ernst Fabritius De Tengnagel (Zug (1781 Vejlegård – Kopenhagen 1849) – Blick auf die Ruine von Schloss Koldinghus bei Mondschein. Öl auf Leinwand. (Nach 1808). 60 x 81,5 cm. Gerahmt. Das dänische Königsschloss Koldinghus, idyllisch gelegen im Osten Jütlands, wurde in der Mitte des 12. Jh. angelegt. Es brannte im Jahr 1808 komplett aus, blieb als Ruine bestehen, bevor es im Zuge einer langjährigen Restaurierung wieder aufgebaut wurde. Taxation: differenzbesteuert (VAT: Margin Scheme)
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10.000 - 12.000 EUR
Johan Christian Clausen Dahl (1788 Bergen - Dresden 1857) – Reiter vor abendlichem Himmel. Öl auf Holz. 1824. 17,8 x 20,6 cm. Signiert und datiert unten rechts. Gerahmt. Als Dahl 1818 nach Dresden kam, sorgten seine freien, naturalistischen Ölstudien für einiges Aufsehen. In Italien, wo er sich 1820/21 auf einer zehnmonatigen Reise auf Einladung des dänischen Kronprinzen Christian Frederick aufhielt, gelangte er zu einer noch unmittelbareren Malweise. In dieser kleinen, klar aufgebauten Komposition zeigt er ganz im Geiste der Romantik eine einzelne Figur, einen Reiter zu Pferd, umgeben von einer friedlich-beschaulichen Natur. Während er eine Passstraße überquert, verfärbt sich der abendliche Himmel, von Dahl wohl en plein air auf den Bildträger gebracht, bereits rosa-gelb. Literatur:
Marie Lødrup Bang, Johan Christian Dahl. 1788-1857. Life and Works, Oslo 1987, Vol. 2, S. 157, Kat.-Nr. 449. Ausstellung:
Ein Jahrhundert romantische Malerei von Martin v. Rohden (1778-1868) bis Louis Kolitz (1845-1914), Städtische Kunstsammlungen, Kassel 1952, Kat.-Nr. 27;
Klassizismus und Romantik in Deutschland. Gemälde aus der Sammlung Georg Schäfer, Germanisches Nationalmuseum, Nürnberg 1966, S. 68, Kat.-Nr. 28, Farbtafel 28;
Carl Gustav Carus und die zeitgenössische Dresdner Landschaftsmalerei. Gemälde aus der Sammlung Georg Schäfer, Altes Rathaus, Schweinfurt 1970, S. 38, Kat.-Nr. 21, mit Abb. Provenienz:
Benoni Friedländer, Berlin;
Dr. Dr. Wilharn, Kassel, 1952, auf Rahmenrückseite beschriftet;
Neumeister & Gräf, München, Auktion, 5.11.1955;
Sammlung Georg Schäfer, Schweinfurt (Inv.-Nr. 1946), verso mit Etikett;
Privatsammlung, Süddeutschland. Taxation: differenzbesteuert (VAT: Margin Scheme)
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50.000 - 60.000 EUR
Carl Julius von Leypold (1806 Dresden – Niederlößnitz 1874) – Nebel über einem russischen Friedhof. Öl auf Pappe. (Um 1830). 26,2 x 42,1 cm. Gerahmt. Über den Gräbern in den Senken des Friedhofsgeländes liegt ein blaugrauer Nebelschleier. Die Grabkreuze – eines umgeknickt wie ein morscher Baum – werden von der Sonne, deren Strahlen von der Dunstglocke geschluckt werden, in ein diffuses Licht getaucht. Laut Werner Sumowski kann die stimmungsvolle Landschaft nur von einem Maler der nachfolgenden Romantiker-Generation aus dem Umkreis von Caspar David Friedrich stammen, setzt sie eine Kenntnis von dessen Stil der 1820er Jahre voraus. Sumowski erkennt hier dieselbe Hand wie bei Carl Julius von Leypolds „Kirchhofseingang“ im Stadtmuseum im Fembo-Haus, Nürnberg (Inv.-Nr. Gm 2005) (vgl. Werner Sumowski, Caspar David Friedrich und Carl Julius von Leypold, Pantheon XXIX, 1971, S. 501, mit Abb.). Auch bei dieser Komposition folgt auf einen nah gesehenen Vordergrund mit raumbildenden Elementen ein „Nebelraum“, als unbetretbar gedacht und ins Unendliche schweifend. Möglicherweise malte Leypold das Motiv für einen russischen Auftraggeber. In Frage käme z.B. der russische Dichter Wassily Andrejewitsch Schukowski (1783-1852), der als wichtiger Förderer Caspar David Friedrichs auftrat und daneben Kontakt zu anderen Dresdner Malern pflegte. Ausstellung:
Caspar David Friedrich und Umkreis, Galerie Hans, Hamburg 2006, Kat.-Nr. 32, mit Abb. Provenienz:
Galerie Hans, Hamburg, verso mit dem Sammlerstempel von Mathias F. Hans (vgl. Lugt 5924);
Grisebach, Berlin, Auktion, 31.5.2017, Los 125;
Privatsammlung, Deutschland. Taxation: differenzbesteuert (VAT: Margin Scheme)
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1
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EUR
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3.000 - 4.000 EUR
Deutsch – Böhmische Landschaft mit Vogelzug im Morgenlicht. Öl auf Leinwand, aufgezogen auf Pappe. (Um 1862). 30,6 x 36,2 cm. Verso handschariftlich mit Zuschreibung an Albert Venus, Ortsbezeichnung und Datierung „Dresden um 1862“. Gerahmt. Provenienz:
Ehemals Sammlung von Stein, Breslau, verso mit Etikett (Nr. 54). Taxation: differenzbesteuert (VAT: Margin Scheme)
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EUR
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22.000 - 24.000 EUR
Friedrich Preller D. Ä. (1804 Eisenach - Weimar 1878) – Hünengrab auf Rügen. Öl auf Leinwand. 1844. 58,5 x 75,5 cm. Unten links ligiert monogrammiert (das „F“ spiegelbildlich), datiert und ortsbezeichnet „18 FP. 44 Weimar“. Gerahmt. Friedrich Preller hatte während seiner ersten Italienreise (1827-31) Joseph Anton Koch kennengelernt, dessen heroisches Landschaftsideal ihn maßgebend beeinflusste. 1837 besuchte er, kränklich und psychisch angeschlagen, auf Empfehlung seines Arztes die Insel Rügen. Trotz Schüben von Italiensehnsucht, die aber ebenso schnell wieder abflauten, fand Preller großen Gefallen an der norddeutschen Landschaft. An seine Frau schrieb er: „Mit dem Ossian (ein keltischer Epos) in der Tasche trat ich meine Wanderung durch verschiedene Teile der Insel an. Ganze Tage brachte ich an den Seeufern oder auf alten Hünengräbern zu. Ich hatte wieder ein Feld gefunden, auf dem ich Neues und Interessantes zu schaffen dachte. Höheren Genuss, als in Wind und Wetter einsam durch die Heide zu streifen, kannte ich nicht, und so rückte mir der Süden immer ferner – gerade das Entgegengesetzte fing an mich zu erwärmen.“ (J. Gensel, 1904, S. 54f.). Dieser erste Aufenthalt markiert einen Wandel in Prellers Schaffen, weg von den warmtonigen Hügellandschaften bei Olevano hin zu den nordisch-herben Dämmerlandschaften mit megalithischen Steingräbern und windgepeitschten Eichen. Im Jahr 1839 zog es Preller ein weiteres Mal nach Rügen, nun in Begleitung seiner Schüler Ferdinand Bellermann, Sixt Thon und Carl Hummel, im Spätsommer 1847 folgte der dritte und letzte Aufenthalt. Provenienz:
Privatsammlung, Hessen. Taxation: differenzbesteuert (VAT: Margin Scheme)
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15.000 - 20.000 EUR
Wilhelm von Kobell (1766 Mannheim - München 1853) – Oberbayerische Landschaft mit Kühen und Hirtinnen. Öl auf Leinwand. 30,9 x 38,3 cm. Signiert und undeutlich datiert unten links. Verso mit schwer lesbarem Stempel „Zimmermann“ (?). Gerahmt. Nicht bei Wichmann. Ähnlich wie Heinrich von Bürkel hat Wilhelm von Kobell in Bayern die Gattungen Genre und Landschaft vereint, hat den Ausblick auf die bayerischen Alpen zur Folie für die Beobachtung der Landbevölkerung und ihrer Tätigkeiten gemacht. Während Bürkel Schmieden in den winterlichen Alpen oder Raufereien in Gasthäusern zu seinen Motiven machte, hat Kobell u. a. das friedliche Landleben, die Tätigkeiten des Landvolkes in der bayerischen Bergwelt zu seinem Thema gemacht. Auf einer plateauartigen Vordergrundbühne weiden einige Kühe und hinter ihnen eine Schafherde, links steht eine Sennerin mit Harke in Tegernseer Tracht, vor ihr sitzt mit dem Rücken zum Betrachter ein Mädchen, das Blumen bindet. Es könnten Mutter und Kind sein, die gerade eine kurze Pause machen – doch gehören sie wirklich zusammen? Man weiß es nicht, in ihrer fast puppenartigen Erscheinung haben sie keinen wirklichen Kontakt, wirken seltsam vereinzelt und isoliert, wie aus einem anderen Zusammenhang in die Landschaft „hineinversetzt“. Tatsächlich hat Kobell einmal gefundene Figuren und -gruppen vor der Kulisse der bayerischen Alpen in seinen Gemälden und Aquarellen immer wieder verwendet, variiert und neu arrangiert – so hat er die Gruppe der Kühe wörtlich in einem um 1830 entstandenem Aquarell verwendet, das den Blick von der Höhe auf den Starnberger See zeigt (Schweinfurt, Museum Georg Schäfer, Inv.-Nr. MGS 1100A, vgl. Wichmann 1477), und das sitzende Blumenkind lässt sich in zwei weiteren Werken Kobells mit Darstellungen Sträuße bindender Bauernmädchen finden (Wichmann 1091 und 1494). Diese Art der Bildfindung zeugt von einem rationalisierten Verfahren, das sich nicht nur auf das Figurenpersonal beschränkt – auch Präsentation und Ausblick folgen einer einmal erfundenen Bildstrategie: Charakteristisch ist für Kobell die Kombination von nahsichtiger Aufsicht im Vordergrund und weitsichtiger Aussicht auf die Silhouette der bayerischen Alpen. Halbkreisförmig schiebt sich im Vordergrund das Plateau in die Bergwelt, die Wiesen bilden einzelne „Inseln“, die Vieh und Figuren zugeordnet sind; davon abgesetzt, hinter einem Tal die Kulisse der hintereinander gestaffelten Berge, über die sich nach hinten zunehmend das Blau des Himmels legt. Es ist diese überzeitliche Ruhe, der Einblick in eine friedliche, noch unberührte Bergwelt, die Kobells Gemälde bis heute beim Publikum so beliebt machen. Die Inszenierung des Nebeneinanders von „Detailrealismus“ im Vordergrund und atmosphärischer Erscheinungen im Hintergrund, von Nähe, in der die Einzelheiten erkennbar sind, hin zu einer Ferne, in der sich Berge und Himmel einander angleichen, ist charakteristisch für Kobells Bildwelt. Es ist diese besondere Mischung aus detaillierter Naturbeobachtung und stimmungsvoller Beseeltheit, der liebevollen Hinwendung zum Gegenstand, mit der Kobells Landschaften den Geschmack seines Publikums trafen und ein Bild von der bayerischen Bergwelt schufen, das bis heute nachwirkt. Dr. Peter Prange Provenienz:
Seit Jahrzehnten in Privatbesitz, Sachsen. Taxation: differenzbesteuert (VAT: Margin Scheme)
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Abgelehnt
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43
Betrag
1
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EUR
Schätzpreis
12.000 - 15.000 EUR
Heinrich Bürkel (1802 Pirmasens - München 1869) – Treidler ziehen zwei Schiffe stromaufwärts (am Inn). Öl auf Leinwand. (Wohl 1820er Jahre). 52,8 x 72,2 cm. Ligiert signiert unten links. Gerahmt. Nicht bei Bühler/Krückl. „(…) Dort war das Innufer mit seinen alten Wehrtürmen Station der Treidler, die den Inn und die Salzach abwärts gekommen waren, um nach kurzer Rast sich weitertreiben zu lassen nach Linz, Wien und Budapest. Laufen an der Salzach und Hall am Inn in Tirol waren Abfahrtsstationen. Ursprünglich brachten die Schiffe Salz und führten im Beischiff die Pferde mit hinunter, bestimmt als Gegenladung ungarischen Weizen und Mais heraufzuziehen. In der Enge östlich Passau mag er (Bürkel) erstmals den Schiffzug gesehen und gemalt haben. Das war ein willkommenes Schauspiel für ihn, den Freund der Pferde, wie er die, in höchster Kraftanstrengung dampfenden Leiber der Pinzgauer und ihrer am Samerberg südlich Rosenheim gezüchteten Nachfolger gesehen hatte. Aber dann zog es ihn den Inn aufwärts, dahin, wo Treidler und Pferde zu Hause waren. So kam er nach Beuern, nach Rattenberg. Und hier sammelte er ein Studienmaterial, das eine Fülle von Volksleben und Brauchtum vor Vergessenheit bewahrte, das mit der Anlage der Bahnlinien mit einem Schlage verschwand. (…). Die Treidelei war eines der Hauptthemen der zwanziger Jahre, und sicher haben die Treidlerbilder sehr wesentlich zum überraschend schnellen Erfolg des Malers beigetragen“ (Ludwig von Bürkel, Heinrich Bürkel. Ein Malerleben der Biedermeierzeit, München 1940, S. 25f.). Provenienz:
Sotheby's, München, Auktion, 25.6.1996, Los 77;
Privatsammlung, Süddeutschland. Taxation: differenzbesteuert (VAT: Margin Scheme)
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Gewonnen
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Betrag
1
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EUR
Schätzpreis
9.000 - 10.000 EUR
Heinrich Bürkel (1802 Pirmasens - München 1869) – Osteria bei Rom. Öl auf Leinwand, doubliert. (Um 1855). 32,4 x 46 cm. Ligiert signiert unten rechts. Gerahmt. Bühler/Krückl 539. Insgesamt viermal hat Heinrich Bürkel Italien bereist, wo er sich neben dem Studium der Landschaft, wie viele andere deutsche Künstler auch, der Schilderung des ländlichen Lebens widmete. Nach dem letzten Italienaufenthalt 1853 entstanden in München in dichter zeitlicher Folge bis 1860 mehrere Gemälde, die vor Osterien und Tavernen spielen und den Blick auf die Silhouette Roms freigeben. Im Mittelpunkt dieser Fassung steht das lebhafte Treiben vor einem Weinausschank, womit das Schild über dem Eingang wirbt („Spaccio di vino a minuto“). Davor warten drei Reiter auf einen freien Platz, bereit zur Einkehr, um ihren Durst mit einem süffigen Wein zu stillen. Im Schatten eines Strohdaches sitzen in geselliger Runde mehrere Bauern. Der Padrone eilt bereits zum Nachschenken mit einer vollen Karaffe Rotwein aus dem Gasthaus, scheucht Hunde und Hühner auf, die die Szene anekdotisch beleben. Im Mittelgrund zieht ein Hirte mit seiner Rinderherde, Staub aufwirbelnd, auf die Tore Roms zu. Im Dunst erscheint in der Ferne die Kuppel St. Peters. Wir danken Anna Rubin vom Holocaust Claims Processing Office in New York, für ihre Recherchen und Angaben über die Familie Borchardt-Cohen. Demnach starb Ludwig Borchardt im Jahr 1938. Seine einzige Erbin war seine Ehefrau Mimi. Von ihr wurde das Kunstwerk 1941 bei Fischer Luzern zugunsten einer ihrer wohltätigen Stiftungen verkauft. Sie selbst war durch diese Veräußerung nicht begünstigt. Ein Verkauf „unter Zwang“ kann nach ausdrücklicher Nachfrage auch vom Holocaust Claims Processing Office nicht festgestellt werden. Literatur:
Hans-Peter Bühler und Albrecht Krückl, Heinrich Bürkel, mit Werkverzeichnis der Gemälde, München 1989, S. 288, Kat.-Nr. 539, mit Abb. Provenienz:
Sophie Cohen (1881–1933), Frankfurt;
Emilie (Mimi) Borchardt–Cohen (1877–1948) (Ehefrau von Ludwig Borchardt), Wien und Basel, 1933 durch Erbschaft von ihrer Schwester Sophie Cohen;
Fischer, Luzern, Auktion, 22.10.1941, Los 1171, von obiger eingeliefert. (Den Erlös spendete Mimi Borchardt-Cohen an die Borchardt–Cohen Stiftung, Schweiz);
Neumeister, München, Auktion, 18.3.1992, Los 492;
Privatsammlung, Süddeutschland. Taxation: differenzbesteuert (VAT: Margin Scheme)
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Gewonnen
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Betrag
1
Ihr Maximalgebot
EUR
Schätzpreis
7.000 - 8.000 EUR
Heinrich Bürkel (1802 Pirmasens - München 1869) – Schmiede im Winter. Öl auf Holz. 1836. 38,1 x 48,7 cm. Ligiert signiert und datiert auf dem Lattenzaun am rechten Bildrand. Gerahmt. Bühler/Krückl 714. Das vorliegende Gemälde ist dem Themenkomplex der „Schmieden im Winter“ zugehörig. In der Schmiede selbst ist wohl nichts von den Minusgraden zu spüren, denn dort wird der Hammer in der Esse zum Glühen gebracht; rot leuchtet es aus den Fenstern. Bürkels biedermeierliche Idyllen sind zugleich auch immer Bilder des Abschieds, schildern sie doch die letzten verborgenen Winkel der vorindustriellen Lebensweise in einer Epoche, in der bereits Eisenbahnen verkehrten und Fabriken, auch zur Metallverarbeitung, hochgezogen wurden. Literatur:
Hans-Peter Bühler und Albrecht Krückl, Heinrich Bürkel, mit Werkverzeichnis der Gemälde, München 1989, S. 311, Kat.-Nr. 714, mit Abb. Provenienz:
Hugo Helbing, München, Auktion, 2.6.1902, Los 16;
Privatbesitz;
Karl & Faber, München, Auktion 189, 1.6.1995, Los 173, Taf. 5;
Privatbesitz, Bayern;
Neumeister, Dresden, Auktion, 24.9.1997, Los 560:
Privatsammlung, Süddeutschland. Taxation: differenzbesteuert (VAT: Margin Scheme)
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Unter Mindestpreis
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46
Betrag
1
Ihr Maximalgebot
EUR
Schätzpreis
25.000 - 35.000 EUR
Carl Spitzweg (1808 - München - 1885) – Mädchen im Walde (Schattiges Waldtal – Sennerin mit Kopflast). Öl auf Holz, verso mit Einschubleisten. (Um 1860). 20,2 x 27,4 cm. Unten links mit dem Monogramm „S im Rhombus“. Gerahmt. Roennefahrt 321; Wichmann 1434. Es ist eine für Spitzweg charakteristisch liebliche Szene voller Anmut, in der sich seine beiden Lebensthemen Mensch und Wald miteinander verbinden. Wie so oft zeigt Spitzweg auch hier den Menschen im Wald, fast schützend legt er sich wie eine Glocke um das Mädchen, das sich barfüßig seinen Weg auf steinigem Pfad an einem Marterl vorbei durch den Wald bahnt. Der Wald ist dunkel, einzig ein weißblaues Himmelsloch lässt ein wenig Licht herein, doch das Mädchen erstrahlt als Einzige hell im Licht - es kommt von vorn, von dort, wo das Mädchen hingeht. Umgeben von üppiger Vegetation, die das Licht reflektiert, ist eine eindrucksvollere Inszenierung ihres Auftritts kaum vorstellbar – das Mädchen schreitet auf uns, den Betrachter zu, in der Beuge ihres rechten Arms einen Henkelkorb haltend, damit sie noch in ihrer Hand eine Weinflasche (?) tragen kann, während sie mit ihrer Linken den vollgepackten Wäschekorb stützt, den sie auf ihrem Kopf trägt. Sie kehrt zurück und bringt uns Gaumenfreuden, Licht und vielleicht noch mehr? Spitzweg hat dieses Motiv des Mädchens, das auf einem steinigen Pfad zurückkehrt, wiederholt dargestellt, mal begleitet von einer Ziege, mal alleine, dann wieder in der Begegnung mit einem Jäger, der die Gelegenheit zum Flirt verstreichen lässt – doch immer ist es das selbstgewisse, in sich ruhende Mädchen, das in seiner bunten Farbigkeit Lebensfreude und jugendliche Schönheit ausstrahlt. Immer wieder ist es der Farbklang aus weißer Bluse und goldgelbem Mieder, aus blauer Schürze und rotem Rock, in dem Spitzwegs Frauen im Wald „erscheinen“. Es ist sicher nicht übertrieben, in dieser „Erscheinung“ von Frau Spitzwegs Frauenideal zu vermuten – immer ist es die schöne, junge Frau im Dirndl, die er ins Bild setzt. Alte Frauen hat er etwa im Unterschied zu Menzel nie dargestellt; bis ins hohe Alter hat er die junge Frau – und sei es zuletzt nur als zwei blaue und rote Pinselstriche – in seine Bilder gesetzt, wie um dem Fortgang der Zeit zu entfliehen. Spitzweg selbst war nie verheiratet, hatte als junger Mann allerdings um eine Frau geworben, die aber starb, bevor es zu einer festeren Bindung gekommen war. Spitzweg blieb ein alternder Hagestolz – ein Motiv, von dem er immer wieder erzählte – und setzte seine Fantasien in Malerei um. Davon erzählt Spitzweg in so einer duftig-lockeren Malweise, dass das Bild zu flirren beginnt, das Licht springt von Blatt zu Blatt, versetzt das Bild in Bewegung. Wie Farbfrische und – intensität, Farbklang und –auftrag, hell und dunkel scheinbar wie von selbst zueinander finden, um Farbe, Stimmung und Atmosphäre einzufangen, hat Spitzweg seit seinem Aufenthalt in Paris und speziell in Barbizon 1851 wiederholt erprobt. Die Maler aus Barbizon – etwa Narcisse Díaz de la Peña - haben ihn nachhaltig immer wieder zu solchen Experimenten inspiriert, in denen Spitzweg zu einer reinen Malerei fand, die sich mit einigem Recht als „vorimpressionistisch“ bezeichnen lässt. Dr. Peter Prange Literatur:
Günther Roennefahrt, Carl Spitzweg. Beschreibendes Verzeichnis seiner Gemälde, Ölstudien und Aquarelle, München 1960, S. 167, Kat.-Nr. 321, mit Abb.;
Siegfried Wichmann, Carl Spitzweg. Die Sennerin im Wald, Dokumentation, Starnberg-München, R.f.v.u.a.K. 1996, S. 12ff., Bay. Staatsbibliothek München, Inv.-Nr. 656 SW 89;
Siegfried Wichmann, Carl Spitzweg. Verzeichnis der Werke, Stuttgart 2002, S. 520, Kat.-Nr. 1434, mit farb. Abb (oben beschnitten). Ausstellung:
Nationalgalerie, Berlin, 23. Sonderausstellung, Nov./Dez. 1886, Nr. 47, aus dem Besitz von Heinrich Bürkel, München, mit dem neuen Titel „Mädchen im Hohlweg“;
Hugo Helbing, Berlin, Spitzweg-Ausstellung, 20.2.-31.3.1927, Nr. 34 (als „Mädchen im Walde"), aus Leipziger Privatbesitz. Provenienz:
Ludwig von Bürkel (1841–1903), München;
Artur Louran, Berlin;
Elsas, Berlin, Auktion, 12.12.1931, Los 47, aus Berliner Privatbesitz (Slg. Louran) mit Titel „Schattiges Waldtal“ (falsche Maße);
Elsas, Berlin, Auktion, 6.2.1932, Los 92, aus gleichem Berliner Privatbesitz;
Neumeister, München, Auktion, 24.3.2010, Los 347;
Privatsammlung, Süddeutschland. Taxation: differenzbesteuert (VAT: Margin Scheme)
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Verloren
Abgelehnt
Unter Mindestpreis
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Betrag
1
Ihr Maximalgebot
EUR
Schätzpreis
30.000 - 40.000 EUR
Carl Spitzweg (1808 - München - 1885) – Strickender Einsiedler. Öl auf Holz. (Um 1875-80). 15 x 32,2 cm. Verso monogrammiert „S im Rhombus“. Gerahmt. Roennefahrt 1199; Wichmann 810. In Folge der Säkularisation kirchlicher Güter im Kurfürstentum Bayern in den Jahren 1802/03 waren hunderte Klöster durch strangulierende Maßnahmen enteignet, der Jesuitenorden sogar aufgehoben worden. Das kulturelle und intellektuelle Leben kam jedoch nicht gänzlich zum erliegen, sondern konnte durch den Rückzug ins Private konserviert werden. Gleichzeitig hatten sich zahllose, heimatlos gewordene Mönche in die Waldeinsamkeit zurückgezogen. Die meisten fristeten dort ein Leben voller Entsagungen, das Künstlern und Schriftstellern gleichermaßen als Anregung diente: Während sich Moritz von Schwind oder Ludwig Richter dem Thema in spätromantischer Verklärung näherten, zeigt Spitzweg in zahlreichen Varianten die Eremiten, Klausner und Mönche, wie sie sich in ihrer selbstgewählten, schlichten Zurückgezogenheit stets ein Quäntchen Lebensfreude bewahrt haben. Auf diesem schmalen Querformat, das dem Spätwerk Spitzwegs zugeordnet werden kann, begegnen wir einem in Abgeschiedenheit lebenden Mönch, der vor seiner spärlichen Behausung sitzt und, während die nachmittägliche Sonne seine Wäsche trocknet, mit einem Strickstrumpf hantiert. Sein einziger Geselle ist ein umherstelzender Rabe. Solche Einsiedeleien waren beim städtischen Publikum ausgesprochen beliebt, führten sie ihm doch vor Augen, was in seinem hektischen Alltag unbemerkt verloren gegangen war – den Willen zur Muße, auch zur Kontemplation, den der genügsam vor sich hin arbeitende Mönch verkörpert. Literatur:
Günther Roennefahrt, Carl Spitzweg. Beschreibendes Verzeichnis seiner Gemälde, Ölstudien und Aquarelle, München 1960, S. 269, Kat.-Nr. 1199, mit Abb.;
Siegfried Wichmann, Carl Spitzweg und die französischen Zeichner, Ausst.-Kat., Haus der Kunst, München 1985, S. 504, Kat.-Nr. 762, mit farb. Abb. S. 401;
Siegfried Wichmann, Carl Spitzweg. Verzeichnis der Werke, Stuttgart 2002, S. 310, Kat.-Nr. 642, mit farb. Abb. Ausstellung:
Münchner Malerei unter Ludwig I., Galerie Heinemann, München 1921, S. 53, Kat.-Nr. 408, mit dem Titel „Beim Einsiedler“. Provenienz:
Gebhardt, München, 4.2.1955;
Privatbesitz, Winterthur, laut Roennefahrt, verso beschriftet „Eigentum von … " (verblasst);
Sammlung Georg Schäfer, Schweinfurt (Inv.-Nr. 2913), auf der Rahmenrückseite mit dem Etikett;
Privatsammlung, Süddeutschland. Taxation: differenzbesteuert (VAT: Margin Scheme)
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20.000 - 30.000 EUR
Carl Spitzweg (1808 - München - 1885) – Landschaft (Fränkische Landschaft). Öl auf Karton. (Um 1875). 21,7 x 30,4 cm. Unten rechts mit dem eingeritzten Monogramm „S im Rhombus“. Verso auf zwei Etiketten nummeriert „43“ und „135“. Gerahmt. Roennefahrt 263; Wichmann 1414. Der Blick geht über ein weites, von einem Fluss durchschnittenes Tal, fußläufig erreichbar liegt rechts ein kleines Dorf. Ganz in der Ferne liegt der Fränkische Jura mit dem typischen Schichtenaufbau, dahinter, in kräftigem Blau abgesetzt, ist die Silhouette eines Höhenrückens erkennbar. In der nachmittäglichen Sonne, die der bayerischen Landschaft einen südlichen Anstrich verleiht, ist eine Frau – ihr Kind am Rockzipfel – unterwegs. Sie haben ein ausgetrocknetes Flussbett passiert und laufen nun auf einem leicht abschüssigen, von dichtem Buschwerk gesäumten Heideweg talwärts auf die Häusersiedlung zu. Es ist das zeitlose Idyll eines Sommertages, über den am blauen Himmel gemächlich einzelne weiße Wolken hinwegziehen. Mit großem Geschick wechselt Spitzweg bei dieser Landschaftsstudie zwischen den Perspektiven – der Vordergrund ist von einem erhöhten Standpunkt gegeben, wodurch der Eindruck einer Aufsicht entsteht, während sich der Hintergrund hinter dem Gebüsch in der Horizontalperspektive panoramaartig weitet. 1851 hatte er zusammen mit Eduard Schleich d. Ä. die Künstlerkolonie in Barbizon besucht, wo damals die Grundlagen für den sich nur wenig später ausbreitenden Impressionismus gelegt wurden, Spitzwegs kleines Gemälde verdeutlicht, welch großen Einfluss die Malerei der Schule von Barbizon auf sein Spätwerk ausübte. Literatur:
Alois Elsen, Carl Spitzweg, Wien 1948, S. 127f. Text, Farbtaf. 63;
Günther Roennefahrt, Carl Spitzweg. Beschreibendes Verzeichnis seiner Gemälde, Ölstudien und Aquarelle, München 1960, S. 162, Kat.-Nr. 263, mit Abb.;
Siegfried Wichmann, Carl Spitzweg. Die kleine Landschaft der Spätzeit, Dokumentation, Starnberg-München, R.f.v.u.a.K. 1988, Bayer. Staatsbibl. München, Inv.-Nr. Ana 656 SW 7;
Siegfried Wichmann, Carl Spitzweg, München 1990, S. 162, S. 214, Kat.-Nr. 109;
Siegfried Wichmann, Carl Spitzweg. Verzeichnis der Werke, Stuttgart 2002, S. 515, Kat.-Nr. 1414, mit farb. Abb. Ausstellung:
Ausstellung Carl Spitzweg. Zur 150. Wiederkehr seines Geburtstages am 5. Febr. 1958, Städtische Galerie im Lenbachhaus, München 1958, S. 37, Kat.-Nr. 81 (betitelt als „Landschaft mit Frau und Kind“). Provenienz:
Sammlung der Fürsten zu Liechtenstein (Inv.-Nr. 2152);
Sammlung Georg Schäfer, Schweinfurt (Inv.-Nr. 2329), auf der Rahmenrückseite mit dem Etikett;
Privatsammlung, Süddeutschland. Taxation: differenzbesteuert (VAT: Margin Scheme)
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Carl Spitzweg (1808 - München - 1885) – Südliche Landschaft. Öl auf Metall. (Um 1870). 24,7 x 29,5 cm. Gerahmt. Roennefahrt 604; Wichmann 642. Kurz nachdem Carl Spitzweg am 4. April 1832 die Prüfung als praktischer Apotheker abgelegt hatte, brach er zu einer ausgedehnten Italienreise auf. Bereits am 28. desselben Monats machte er, von Triest kommend, wo er seinem Bruder einen Krankenbesuch abgestattet hatte, in Venedig Station. Weiter führte ihn seine Reise nach Padua, Bologna und Florenz. Am 26. Mai erreichte er Rom, wo er seine Skizzenbücher weiter füllte, u. a. mit akribischen Studien von Engelsburg, Konstantinsbogen und dem Forum Romanum, bevor er südwärts bis nach Neapel weiterzog. In der Rückschau war diese zweite Reise durch Italien wegweisend, als dass sie Spitzweg, den Pillen und Salben überdrüssig geworden, darin bestärkte, sich nun ganz der Malerei und Zeichenkunst zu widmen. In seinem Spätwerk besann sich Spitzweg mit einigen Bildern, die hügelige, von Pinienhainen bestandene Landschaften zeigen, nochmals dieser vor fast 40 Jahren unternommenen Reise. Aus seinem Skizzenbuch von 1832 lassen sich einige Bleistiftstudien speziell der vorliegenden Landschaft zuordnen. Literatur:
Günther Roennefahrt, Carl Spitzweg. Beschreibendes Verzeichnis seiner Gemälde, Ölstudien und Aquarelle, München 1960, S. 196, Kat.-Nr. 604, mit Abb.;
Siegfried Wichmann, Spitzweg. Begegnungen mit Moritz von Schwind und Arnold Böcklin in die kleine Landschaft, Haus der Kunst. München 1985, S. 129, Kat.-Nr. 88, mit Abb.;
Siegfried Wichmann, Carl Spitzweg. Verzeichnis der Werke, Stuttgart 2002, S. 310, Kat.-Nr. 642, mit farb. Abb. Ausstellung:
Wiener Biedermeier-Maler und Carl Spitzweg, Kunstmuseum Luzern, 1950, Kat.-Nr. 356;
Ausstellung Carl Spitzweg. Zur 150. Wiederkehr seines Geburtstages am 5. Febr. 1958, Städtische Galerie im Lenbachhaus, München 1958, S. 35, Kat.-Nr. 54 (betitelt als „Gebirgslandschaft“). Provenienz:
Sammlung der Fürsten zu Liechtenstein (Inv.-Nr. 2147), verso auf altem Etikett nummeriert „27“ sowie mit der Adresse;
Sammlung Georg Schäfer, Schweinfurt (Inv.-Nr. 2327), auf der Rahmenrückseite mit dem Etikett;
Privatsammlung, Süddeutschland. Taxation: differenzbesteuert (VAT: Margin Scheme)
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Joseph Selleny (1824 Untermeidling/Wien - Inzersdorf 1875) – Distel im Abendlicht vor felsiger Schlucht. Öl auf Leinwand. 28,1 x 20,5 cm. Verso auf dem Keilrahmen bezeichnet „Josef Selleny“. Gerahmt. Taxation: differenzbesteuert (VAT: Margin Scheme)
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3.000 - 4.000 EUR
Deutsch – Baumgruppe vor Waldlichtung. Öl auf Leinwand, aufgezogen auf Karton. 27,4 x 21,7 cm. Gerahmt. Taxation: differenzbesteuert (VAT: Margin Scheme)
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5.000 - 7.000 EUR
Valentin Ruths (1825 - Hamburg - 1905) – Gewitterstimmung. Öl auf Holz. 1874. 31,5 x 43 cm. Signiert und datiert unten links. Verso auf altem Klebeetikett beschriftet „Gewitter/Val. Ruths/Hamburg“. Gerahmt. Taxation: differenzbesteuert (VAT: Margin Scheme)
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3.000 - 4.000 EUR
Carl Maria Nicolaus Hummel (Zugeschrieben) (1821 - Weimar - 1907) – Waldstück mit kahlem Baum im Morgenlicht. Öl auf Malkarton. 35 x 29,2 cm. Verso mit handschriftlichem Klebeetikett mit dem Künstlervermerk. Gerahmt. Taxation: differenzbesteuert (VAT: Margin Scheme)
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Franz von Lenbach (1836 Schrobenhausen - München 1904) – Landleute vor einem Unwetter flüchtend (Bauern vor der Kapelle). Öl auf Karton, aufgezogen auf Holzplatte. (Um 1858). 36,8 x 32,3 cm. Gerahmt. Vorstudie zu Lenbachs heute verschollenem Frühwerk „Landleute vor einem Gewitter zu einer Kapelle flüchtend“ (ehemals Kaiser-Friedrich-Museum, Magdeburg, siehe Vgl.-Abb.). Im November 1857 war Lenbach in die Mal- und Komponierklasse Karl Theodor von Pilotys eingetreten, fortan stand die Ausarbeitung von Bildentwürfen auf der Tagesordnung. In einer Abfolge von Skizzen (einige davon bez. „Hörzhausen“) entwickelte er seit 1856, ausgehend von der Situation eines Spaziergängers vor einer Wegkapelle, eine dramatisch aufgeladene Szene: Im Hochsommer haben Bauern, während sich am düsteren Himmel die Wolken ballen, ihre Arbeit auf dem Kornfeld unterbrochen und suchen Zuflucht bei der Muttergottes in der Kapelle auf dem Feldrain. Die Szene ist in ein fahles Licht getaucht. Wohl erreichen die Bauern den Unterstand gerade noch rechtzeitig vor dem Losbrechen des Gewitters. Obwohl die Personengruppe nur skizzenhaft wiedergegeben ist, ist die Komposition der endgültigen Fassung in der flüchtigen Studie bereits voll erarbeitet. Lenbach berichtet: „(…) Bei Piloty blieb ich etwa anderthalb Jahre und habe bei ihm zwei Bilder gemalt. Das erste waren Bauern, die sich im Gewitter zu einer Kapelle flüchten. (…) Das Bauernbild war mein erster Versuch, an den Münchner Kunstverein zu kommen; er glückte, und ich bekam 450 Gulden. Zugleich erhielt ich ein Staatsstipendium im Betrage von 500 Gulden (…)“ (Wilhelm Wyl, Franz von Lenbach, Gespräche und Erinnerungen, Stuttgart 1904, S. 34). Mit den Einnahmen sollte Lenbach dann seine erste Italienreise finanzieren. Verso auf Untersatz handschriftliche Echtheitsbestätigung von Josefine Lenbach (Schwester des Künstlers). Literatur:
Rosel Gollek und Winfried Ranke (Hrsg.), Franz von Lenbach 1836-1904, Städtische Galerie im Lenbachhaus, München 1987, S. 214, Kat.-Nr. 50, mit Abb. S. 215. Provenienz:
Galerie Schöninger, München, 18.2.1954;
Sammlung Georg Schäfer, Schweinfurt (Inv.-Nr. 2939), verso mit dem Etikett;
Privatsammlung, Süddeutschland. Taxation: differenzbesteuert (VAT: Margin Scheme)
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Andreas Achenbach (1815 Kassel - Düsseldorf 1910) – Entladen der Fischerboote an der holländischen Küste. Öl auf Holz. 1867. 70,4 x 99,8 cm. Signiert und datiert unten rechts. Verso Stempel des Künstlerbedarfhändlers „Félix Mommen, Bruxelles“. Gerahmt. Immer wieder malte Andreas Achenbach die holländische Küste bei wechselndem Licht, das mit den Kapriolen des Wetters an einer solch exponierten Lage einhergeht. Den Anstoß, sich der Marinemalerei zuzuwenden, gab die 1831/32 an der Seite seines Vaters unternommene Reise entlang der Nord- und Ostseeküste über Rotterdam, Scheveningen, Amsterdam und Hamburg bis nach Riga, im Zuge derer sich Achenbach mit der realistischen Landschaftsauffassung der niederländischen Malerei des 17. Jahrhunderts auseinandersetzte. Bei diesem Küstenstück wird der Blick über die Figur des Seemannes, der von links durch die hüfthohen Wellen watet und an dem geschulterten Anker schwer zu tragen hat, nach rechts zu mehreren am Strand angelandeten Segelbooten geleitet, die teilweise im Dunst liegen. Die heimkehrenden Fischer sind in eine klamme Nässe gehüllt. Um die Schiffe herrscht bereits geschäftige Umtriebigkeit. Die Frauen der Küstenbewohner sind mit Körben herbeigeeilt, um den Fang des Tages noch am Strand feilzubieten. Im Vergleich zu seinen Darstellungen von Schiffbruch und aufgepeitschter See, verzichtet Achenbach hier auf jede Dramatik: In der subtilen Palette, die zwischen dem Graublau der See und dem Braun des Sandes ein großes Spektrum feinster Nuancen aufweist, und in der Variabilität des Pinselstrichs liegt der besondere Reiz dieser Komposition. Provenienz:
Seit Jahrzehnten in Privatbesitz, Süddeutschland. Taxation: differenzbesteuert (VAT: Margin Scheme)
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8.000 - 12.000 EUR
Félix Ziem (1821 Beaune - Paris 1911) – Voiliers et gondole devant les Jardins Français, Venise. Öl auf Leinwand, doubliert. (18)71. 82,3 x 127,3 cm. Signiert und datiert unten rechts. Gerahmt. Der Franzose Félix Ziem malte das, was die venezianischen Vedutisten um Marieschi, Guardi und Canaletto seit dem 18. Jahrhundert gemalt hatten: Venedig mit all seinen Facetten. Ziem war 1842 erstmals nach Venedig gekommen und hat die Lagunenstadt während seines langen Lebens noch unzählige Male besucht – nicht minder fasziniert von dem bunten Treiben auf den Kanälen, der Architektur und nicht zuletzt von dem ganz eigenen Licht. Ein häufiges Motiv ist die Ankunft von Segelbooten und Gondeln an den Anlegestellen der Jardins Français (den heutigen Giardini della Biennale) am östlichen Rand des Bacino di San Marco. Ziem zeigt seine Könnerschaft als brillanter Kolorist, der das flirrende Licht auf dem Wasser in einer Weise einfängt, die ganz zart zum Impressionismus überleitet. David Pluskwa und Mathias Ary Jan, Association Félix Ziem, Marseille, haben die Echtheit dieses Werkes bestätigt (Zertifikat vom 7.3.2024, Nr. 293/0324). Das Werk wird in das in Vorbereitung befindliche Werkverzeichnis aufgenommen. Provenienz:
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Carl Wuttke (1849 Trebnitz/Schlesien - München 1927) – Hafenszene an der Newa mit der Prunkkutsche Zar Alexanders III. durch Sankt Petersburg. Öl auf Holztafel, geleimt auf Holz. (18)89. 13,8 x 20,6 cm. Unten rechts signiert, unten links mit Ortsangabe datiert „St. Petersburg 12 Juni 89“. Verso mit der Nr. „764“, außerdem undeutlich beschriftet und mit einem grünen, schwach druckenden Stempel. Gerahmt. Seit den 1880er Jahren jede Grenze passierend, kann Carl Wuttke als einer der ersten weltreisenden Künstler betrachtet werden. Zu den von ihm besuchten Ländern und Regionen zählen u. a. Ägypten, China, Indien, Griechenland, Japan, der Kaukasus, Palästina, die Türkei, aber auch Russland. So beobachtete er an einem Junitag im Jahr 1889 die Fahrt des russischen Zaren durch Sankt Petersburg. Alexander III. sitzt in einer goldenen Prunkkutsche, die von einem Viergespann aus Schimmeln entlang der fahnengeschmückten Uferpromenade der Newa gezogen wird. Wuttkes Ölstudien „(…) zeichnen sich durch leuchtendes Kolorit, kräftige Farbakzente, sicheres Gespür für nuancenreiche Luft- und Lichtstimmungen sowie durch eine spontane, jede akademische Glätte vermeidende, vorimpressionistische Auffassung in pastosem Farbauftrag aus.“ (Lexikon der Düsseldorfer Malerschule 1819-1918, Bd. 3, Kunstmuseum Düsseldorf im Ehrenhof und Galerie Paffrath, Düsseldorf (Hrsg.), 1998, S. 452). Taxation: differenzbesteuert (VAT: Margin Scheme)
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Charles–François Daubigny (1817 - Paris - 1878) – Blühender Obstgarten (Le verger). Öl auf Holz, parkettiert. (Um 1860). 24,7 x 45,3 cm. Unten links signiert und mit Widmung „à mon ami Armand Leleux“. Gerahmt. Nicht bei Hellebranth. Mit seinen Obstgärten fängt Charles-François Daubigny das alljährliche Schauspiel im Frühling ein, wenn die Apfelbäume zartrosa blühen. Sein Bestreben war es, einen möglichst unmittelbaren Eindruck von der sich jeden Frühling erneuernden Natur mit ihren flüchtigen atmosphärischen Effekten zu schaffen; darum malte er „grüne Fleckchen“ wie dieses als einer der ersten Künstler seiner Zeit vollständig en plein air. Damit, und in der Freiheit des Pinselstrichs, war Daubigny ein Vorbild für die nachfolgende Generation der Impressionisten, wie z.B. Claude Monet und Camille Pissarro, die mit dem „Obstgarten in Blüte, Louveciennes“ (1872, National Gallery of Art, Washington D.C.) das Thema aufnahmen. Das Gemälde wird in den zweiten Ergänzungsband des Catalogue Raisonné von Charles-François Daubigny von François Delestre aufgenommen. Eine Fotoexpertise ist in Vorbereitung. Provenienz:
Richard H. Zinser (1884-1984), New York;
seitdem in Familienbesitz, USA. Taxation: Differenzbesteuert zzgl. 7% (VAT: Margin Scheme (non EU))
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2.500 - 3.000 EUR
Alexis Auguste Delahogue (1867 Soissons – Nizza 1950) – Szene in Tunis. Öl auf Holz. 1904. 26,8 x 35,1 cm. Unten links signiert und mit Ortsangabe datiert „Tunis Nov 1904“. Gerahmt. Provenienz:
Galerie Gebhardt, München, 16.1.1956;
Sammlung Georg Schäfer, Schweinfurt (Inv.-Nr. 3222), verso mit dem Etikett;
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3.000 - 4.000 EUR
Théodore Chassériau (Zugeschrieben) (1819 Saint-Domingue – Paris 1856) – Odaliske mit Laute (Saz). Öl auf Holz. 18,3 x 24,3 cm. Verso mit dem Stempel des Künstlerbedarfs „Muller Fils, Paris“ sowie mit drei nummerierten Etiketten. Gerahmt. Provenienz:
Galerie Wolfgang Gurlitt, München;
seit 50 Jahren in Privatbesitz, Süddeutschland. Taxation: differenzbesteuert (VAT: Margin Scheme)
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