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Amiraplatz 3 - Luitpoldblock
München
80333
Germany
Auktion 331 | Zeitgenössische Kunst | Evening Sale
LIVE: keine Zusatzkosten | no extra charges
Auktionsdaten
05 Dez. 2024 19:00 CET
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EUR |
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Imi Knoebel – Figura Gimel
Lot 818
Jonas Burgert – „Fälscher“
Lot 834
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Peter Brüning (1929 Düsseldorf - Ratingen 1970) – Komposition 12/II. Öl und Lack auf Hartfaserplatte. (19)57. Ca. 87 x 100,5 cm. Signiert und schwer leserlich datiert unten rechts. Verso nochmals signiert, datiert und bezeichnet. In O.-Atelierleisten. Otten 158. • Kraftvolle, expressive Komposition in harmonischer Farbgebung • In Werken wie diesem zeigt Brüning seinen großen malerischen Erfindungsreichtum in der Zeit des Aufbruchs in der Kunst nach 1945 • Peter Brüning ist einer der bedeutendsten Vertreter des deutschen Informel und genießt internationale Reputation Peter Brüning ist einer der wichtigsten Vertreter des Informels in der frühen Bundesrepublik. Kennzeichnend für die vor 1960 entstandenen Werke ist die ausgesprochen expressive Geste, die wilden, energischen Pinselstriche sind Ausdruck der Suche nach einem Neubeginn in der Malerei. Brüning wagt unterschiedlichste Maltechniken, dabei steigert er den pastosen Farbauftrag so sehr, dass seine Kompositionen am Ende räumliche Tiefe und geradezu haptische Qualität besitzen.Besonderes Merkmal der ab 1957 entstandenen Werke ist die allmähliche Öffnung des Bildraumes. Sowohl die Geste als auch der Farbauftrag werden großzügiger und flüssiger. Brüning entwickelt innerhalb der Kunstrichtung seinen ureigenen Duktus im Wechsel einer unbewusst, spontan hingeworfenen Geste und dem reflektierten informellen Malakt. Provenienz: Nachlass Prof. Peter Brüning, Ratingen; Privatsammlung, Rheinland. Taxation: differenzbesteuert (VAT: Margin Scheme).
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Anna-Eva Bergman (1909 Stockholm - Grasse 1987) – „N°27-1959 Forme d'or”. Tempera und Metallfolie auf Velin von BFK Rives. 1959. Ca. 76 x 55,5 cm. Signiert und datiert unten rechts. Verso betitelt und bezeichnet. Das Werk ist im Archiv der Fondation Hartung-Bergman, Antibes, registriert und wird in das in Vorbereitung befindliche Werkverzeichnis der Arbeiten von Anna-Eva Bergman aufgenommen. • Volumen und Festigkeit ausstrahlende Form in Bergmans bevorzugtem Material Gold • Anna-Eva Bergman, die lang im Schatten ihres Ehemanns, des Malers Hans Hartung stand, zählt mit ihrem abstrakten Werk zu den wichtigsten Vertreterinnen der skandinavischen und internationalen Nachkriegsmalerei • Seit der großen Retrospektive 2023 im Musée d'Art Moderne, Paris, ist Bergman eine feste Größe im KunstmarktDie norwegische Künstlerin Anna-Eva Bergman begann in den frühen 1950er Jahren, ihre Kunst der Abstraktion immer weiter anzunähern. Ihre Inspirationsquelle ist dabei die gewaltige Landschaft des Nordens: Steine, Berge, Wasser oder Licht. Obgleich ihre Bilder ungegenständlich wirken, bewahren sie immer einen Bezug zur Realität. Ein großer goldener Stein beherrscht die vorliegende Komposition. Mit Bergmans künstlerischer Thematik untrennbar verknüpft ist ihre charakteristische Technik: Silber-, Gold- oder Kupferblätter werden mit einer Art Tempera und Lack auf den Untergrund fixiert. Diese schimmernden Materialien fangen das Licht ein und werden so in ihren Werken zu visuell referenziellen Bereichen, die ein mystisches Strahlen verbreiten.Zu ihren Lebzeiten stand die künstlerische Arbeit Bergmans meist im Schatten ihres Künstlerkollegen und Mannes, dem deutschen Maler Hans Hartung. 1957 heiratete sie ihn ein zweites Mal und lebte mit ihm in Paris. Dort bewegte sich das Paar in der Pariser Künstlerszene um Sonia Delaunay-Terk, Alexander Calder, Pierre Soulages und Maria Helena Vieira da Silva. Die steigende Anerkennung, die Bergmans Werk erhielt, lässt sich an mehreren Ausstellungen in Europa und den Vereinigten Staaten nachweisen. Im Jahr 1959 war Bergman Teilnehmerin der documenta II in Kassel. In den 1970er Jahren kauften sich Bergman und Hartung ein Anwesen in Antibes, Frankreich, und richteten dort ihr Atelier ein. Heute werden dort in der Fondation Hartung-Bergman Werke des Künstlerehepaars ausgestellt. Provenienz: Privatbesitz, Süddeutschland. Taxation: differenzbesteuert (VAT: Margin Scheme).
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30.000 - 40.000 EUR
Günter Fruhtrunk (1923 - München - 1982) – Ohne Titel (Getrennte Krümmungen). Öl auf Sperrholzplatte, mit Aluminiumleisten. (19)57/58. Ca. 32,5 x 40,5 cm. Verso auf der Platte monogrammiert, datiert und bezeichnet mit Richtungspfeil und ehemaligem Titel. Der ursprüngliche Titel „Versuch der Rundung” wurde vom Künstler übermalt, laut dem Archiv vom Nachlass Günter Fruhtrunk, Nürnberg (DKA 62a). Reiter 106 (hier leicht abgewandelte Farben). • Interaktion von Farben und Formen, basierend auf den konkreten Bildthemen Fläche, Linie, Raum und Farbe • Typische Komposition mit geometrischen Elementen in reizvollem Kleinformat • Charakteristisch für das in Paris entstandene FrühwerkDie Verwendung geometrischer Formen und die sorgfältige Anordnung der Elemente spiegeln Fruhtrunks Fähigkeit wider, durch einfache Formen komplexe visuelle Effekte zu kreieren. "Ohne Titel (Getrennte Krümmungen)" von 1957/1958 zählt zum Frühwerk und ist in Paris entstanden, für seine künstlerische Entwicklung sind es die entscheidenden Jahre, er integriert Einflüsse von Künstlern der internationalen Avantgarde und schließt sich der Bewegung Abstraction-Création an. In dieser Zeit waren Sonia Delaunay oder Hans Arp wichtige Wegbegleiter, ihr Einfluss klingt in den frühen Kompositionen Fruhtrunks an. Seine erste Einzelausstellung hatte er bereits 1960 in der renommierten Galerie Denise René. Provenienz: Nachlass des Künstlers;Gimpel-Müller, Paris, verso mit dem Etikett;ehemals Privatsammlung, Frankreich. Taxation: differenzbesteuert (VAT: Margin Scheme).
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60.000 - 80.000 EUR
Günter Fruhtrunk (1923 - München - 1982) – Quadrat und fünf Kreise. Öl, Kasein und Sand auf Jute. (1956). Ca. 73 x 116 cm. Verso auf der Leinwand signiert, monogrammiert und bezeichnet mit Ortsangabe. Auf dem Keilrahmen bezeichnet mit Richtungspfeil und „5 Kreise u. Viol.". In Atelierholzleisten. Reiter 93. • Günter Fruhtrunk ist der führende Vertreter der konkreten Kunst in der frühen Bundesrepublik • Reizvolles Wechselspiel von Quadrat und Kreisen in lebendigen Farben • Entstanden in seinen bedeutenden Pariser Jahren, jüngst gewürdigt mit einer Ausstellung im Lenbachhaus München (November 2023 – April 2024)Günter Fruhtrunk ist einer der führenden Vertreter der konkreten Kunst in der frühen Bundesrepublik Deutschland. Seine Werke zeichnen sich durch ihre Klarheit und innere Ordnung aus, die Ruhe und Schönheit ausstrahlen. In der vorliegenden Komposition kombiniert der Maler fünf klar definierte Kreise und ein Quadrat. Die lebendigen Farben, insbesondere das kraftvolle Violett, verleihen dem Bild eine energetische Spannung, die den Betrachter fesselt und zur vertieften Auseinandersetzung einlädt. Darüber hinaus ist es vor allem der Kontrast zwischen den unterschiedlichen geometrischen Elementen, er erzeugt eine dynamische Interaktion, die den Blick des Betrachters anzieht und ihn zum Verweilen einlädt. Fruhtrunks Komposition entzieht sich einer schnellen Erfassung und lädt zum Innehalten ein. Ausstellung: Art construit, Musée d'Ixelles, Brüssel 1960;Günter Fruhtrunk, Museum am Ostwall, Dortmund 1963, Kat.-Nr. 2;Lorenzelli arte, Mailand 1989, Kat.-Nr. 1, mit s/w-Abb. S. 6; Günter Fruhtrunk. Die Pariser Jahre 1954 – 1967, Städtische Galerie im Lenbachhaus und Kunstbau, München 2023/2024, Kat.-Nr. 8, mit farb. Abb. S.198. Provenienz: Nachlass des Künstlers;ehemals Privatbesitz, Frankreich. Taxation: differenzbesteuert (VAT: Margin Scheme).
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Heimrad Prem (1934 Roding/Oberpfalz - München 1978) – Gefangennahme. Öl auf Leinwand. (19)62. Ca. 100 x 100 cm. Signiert und datiert oben links. Dornacher 138. • Historisch bedeutendes Werk mit religiöser Symbolik im Spannungsverhältnis zu Politik, Justiz und Gesellschaft • Prem war Wegbereiter einer engagierten Kunst, die ihre Themen in gesellschaftlichen Prozessen fand • Mitbegründer der Gruppe SPUR, die heute als eine der bedeutendsten deutschen Künstlergemeinschaften der Nachkriegszeit gilt Am 4. Mai 1962 kommt es zu einem höchst unrühmlichen Ereignis in der deutschen Justizgeschichte. Beim Amtsgericht München findet die erste Hauptverhandlung gegen vier Künstler der Gruppe SPUR statt. Dieter Kunzelmann, Helmut Sturm, H.P. Zimmer und Heimrad Prem müssen sich vor dem bayerischen Gericht verantworten. Vorgeworfen wird ihnen, sie hätten „unzüchtige Schriften feilgeboten, verkauft, verteilt, an Orten, welche dem Publikum zugängig sind, ausgestellt oder sonst verbreitet, so wie sie zum Zweck der Verbreitung hergestellt oder zu dem Zwecke vorrätig gehalten, angekündigt oder angepriesen...“. Es ist der erste Prozess in der noch jungen Bundesrepublik gegen lebende bildende Künstler, gar gegen eine Künstlergruppe. Was war passiert? Am 9. November 1961 hatte „die Münchener Staatsanwaltschaft die herausfordernde Frechheit, die gesamte Auflage aller sechs Nummern der Künstlerzeitschrift SPUR zu beschlagnahmen.“Die Situation ist mehr als aufgeheizt, sogar das erzbischöfliche Ordinariat schaltet sich ein. Der Bischof der Diözese Freising und München zeigt sich empört. Befreundete Künstler verteilen Flugblätter und einflussreiche Stimmen der Kultur schreiben Gutachten. Artikel 5, Absatz 3 wird von den Künstlern herangezogen, doch der Prozess, der bald als „SPUR-Prozess“ durch die Presse geht, wird sich, so ist bald klar, über Monate hinziehen und es wird ungemütlicher als erwartet. Grundgesetz Artikel 5, Absatz 3 wird von der Justiz zwar in der ersten Urteilsbegründung berücksichtigt, einschränkend jedoch erklärt: „die Kunst ist frei, nicht aber der Künstler überhaupt und allgemein.“ Was mit einigen Gedichten und collagierten Provokationen im SPUR-Heft Nr. 6 begann, nimmt so schnell unerfreulich Fahrt auf. Kunzelmann, Prem und Zimmer werden für die Verbreitung „unzüchtiger Schriften, Gotteslästerung in Tateinheit mit Beleidigung“ gemäß zwei Dutzend Paragraphen verurteilt. Mehrmonatige Gefängnisstrafen stehen im Raum. Großzügig und „strafmildernd“ befindet die Justiz, dass die Angeklagten verhältnismäßig jung sind und sie eventuell auch schädlichen Einflüsterungen aus dem Ausland ausgesetzt waren.Am 2. November des gleichen Jahres geht die Farce in die nächste Runde. Hier werden von der Verteidigung die Gutachten von u.a. Walter Jens (Prof. für Altphilologie in Tübingen), Werner Haftmann (Kunsthistoriker und Documenta-Macher) und Joseph Oberberger (Prof. für Malerei an der Münchner Akademie) vorgelegt. Otto van de Loo hatte unermüdlich mobilisiert. Selbst Guy Debord schreibt aus Paris. Das Gericht beanstandet jetzt nur noch wenige Zeilen, kann sich aber trotz Beratung nicht zu einem Freispruch der Künstler durchringen. 13 Jahre ziehen ins Land. Erst nach x-weiteren Berufungsverhandlungen wird die Verfassungsbeschwerde im Februar 1975 beim Bundesverfassungsgericht endgültig abgelehnt. Heimrad Prem sucht und findet Mittel der Verarbeitung der Ereignisse. „Am Anfang war das Bild“ muss die Parole heißen. Er greift ins Motivreservoir der Konfliktgeschichte und zerrt mit dem Topic der Gefangennahme Jesu gleich das ganz große christliche Theater ins Atelier. Natürlich kennt er die kleine, delikat gemalte Holztafel aus der Alten Pinakothek, auf der Wolf Huber zu Zeiten des Bauernkriegs schon 1525 die Schergen den Heiland abführen ließ. Die Entlehnung des Themas wird vollends Programm, wenn Prem Corinths „Gefangennahme Christi“, sein Ecce homo, ein gewaltiges Ölbild aus dem Kunstmuseum Basel zum fernen Schatten erklärt. Als zentrale Bildfigur wird der Künstler zum „Erlöser“, setzt sich kompositorisch gleich, und umgehend führen zwei weißgesichtige Münchner Stadtpolizisten – nicht erst seit den Schwabinger Krawallen einschlägig für ihre Rigorosität im Einsatz mit Pferd und Knüppel bekannt – den Delinquenten vor und ab. Ihre Hände nichts als Zangen, ihre Krawatten schwarz wie die Nacht. Im Hintergrund ist rechts der „große Bruder“ und Mastermind der SPUR, Helmut Sturm zu erkennen, und links davon eine dunkelhaarige Frau mit picassoesken Doppelaugen im Profil, die so unfreiwillig zur Maria Magdalena (und zur Dora Maar) wird. Das arglos gestreifte Hemd des „Künstler-Christus“ mit den roten Linien bringt „wenn Rot nur noch die Farbe des Blutes ist“ und mit etwas Blau verirrt sich ein wenig Farbe in die Grisaille. Der Künstler hat den Mund offen, in den Augen gefriert der Zweifel. Ein trotziges Bild. Schon Ende Mai 1962 sichert sich Otto van de Loo die überraschend erzählerische Malerei zum Ereignis für seine Sammlung und die Zukunft. Seit Jahrzehnten schmückte es als Fanal die gleiche Wand. Heute, mehr als siebzig Jahre später, steht das Bild „Gefangennahme“ auch für eine frühe „Bonner Republik“, in der zwar über „das Menschenbild in unserer Zeit“ heftig diskutiert wird, aber die „Weltsprache Abstraktion“ bereits die internationalen Debatten bestimmt. Längst ist deutlich formuliert, welcher Platz für die Künstler und die so geförderte Kultur in einer Wirtschaftswundergesellschaft amtlich reserviert war. Aber es ist komplizierter. Prem gibt nicht wirklich den „tortured artist“ unserer auf Selbstexposition so abonnierten Gegenwart. Das belanglose, „normale“ ist ihm bedrohlich genug. Die Darstellungen der Martyrien der Gotik, die Versprechen der Passionsgeschichte, für Prem waren dies die einzig begreiflichen Bilder seiner Realität. Die „Verfolgung“ der Künstler war 1961 Wirklichkeit, nicht Rollenspiel zur Erlangung von Klicks im Überbietungsszenario der heute so beliebten, öffentlichen Paranoia. Für die „Liquidierung der Welt des Entzugs von Leben“ kämpft Prem auf dem rutschigen Asphalt des Alltags. Das vermeintliche Ende ist erst der Anfang des großen Spiels. Die Versprechen der „Konstruktion von Situationen“ liegen in der Hoffnung auf eine offene Gesellschaft verborgen. „Avantgarde ist unerwünscht“, hatte die SPUR, hatte Prem mit seinen Freunden noch als Teil der Situationniste International im Januar 1961 deutlich lesbar getextet und eine „Pseudo-Avantgarde“ als Steigbügelhalter einer Kreativwirtschaft bereits klar seziert. Heute, diesen Teil der Geschichte deutlich vor Augen, wird Prems „Gefangennahme“ zum Historienbild, beredtes Zeugnis eines Moments, in dem die Ganzheit einer Person sich stets erst über ihre dauernde Neudefinition in einem Prozess der bewussten Auflösung als handlungsfähig erweist. Die Situation ist heute genau umgekehrt wie zu Beginn der 1960er Jahre. Man schadet den Künstlerinnen und Künstlern nicht mehr in direkten Verfahren. Man beutet schlicht ihre Lebensform aus: „Liberté toujours“. Sie sind die einzig feste Währung in einer Eventkultur, in der „creative people“ als Illusion ihrer eigenen Möglichkeiten, sich selbst dem „Unternehmen Mensch“ in seiner gesellschaftlichen Pose zu Verfügung stellen. Das neue Ideal ist der „entrepreneur artist“. 1962 als Heimrad Prem „Gefangennahme“ in Schwabing malt, hatte er diese tatsächlich erlebt. Oder wie Kunzelmann vor Gericht sagte: „Die herrschende Religion ist immer noch eine Religion der Herrschaft.“(Axel Heil) Ausstellung: Gruppe SPUR: 1958-1965. Lothar Fischer, Heimrad Prem, Helmut Sturm, HP Zimmer, Städtische Galerie Regensburg/Städtisches Museum Mülheim/Museum Ulm, 1986, Kat.-Nr. 100, mit s/w Abb. S. 22. Provenienz: Otto van de Loo, München; Privatsammlung, München. Taxation: differenzbesteuert (VAT: Margin Scheme).
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25.000 - 35.000 EUR
Helmut Sturm (1932 Furth im Wald - München 2008) – Der Widerspenstigen Zähmung. Öl auf Leinwand. (19)64. Ca. 135 x 100 cm. Signiert und datiert unten rechts. • Bedeutendes, farbintensives Werk aus der wichtigen „SPUR“-Zeit • Typisches Beispiel für den ausdrucksstarken Gestus Sturms • Trotz abstrahierendem Formvokabular vielfältige Assoziationen an Figuratives und Verdichtung zu Figuren Provenienz: Galerie Helmut Leger, München, verso auf Rahmenrückpappe mit Etikett; Privatsammlung, Süddeutschland. Taxation: differenzbesteuert (VAT: Margin Scheme).
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130.000 - 160.000 EUR
Lucio Fontana (1899 Rosario/Argentinien - Comabbio bei Varese 1968) – Concetto Spaziale. Tempera, Grafit und Collage mit Stein auf Karton. (19)59. Ca. 50 x 35 cm. Signiert und datiert unten rechts. Mit einem Fotozertifikat der Fondazione Lucio Fontana, Mailand. Das Werk ist in der Fondazione Lucio Fontana, Mailand, unter der Nummer 4236/1 registriert.Sowie mit einem Fotozertifikat von Piero Fedeli, Studio Bellini, Mailand, vom 27.12.1971. • Einzigartiges Werk aus der zentralen Serie der „Concetti Spaziali“ • Fontanas Idee, durch Verletzung der Bildoberfläche den Aufbruch in eine erweiterte Dimension zu entdecken, war in seiner Zeit beispiellos • Seine Raumkonzepte machten Fontana zu einem der revolutionärsten Künstler der NachkriegszeitIm Jahr 1958 kommt es zu einer wichtigen Zäsur in Lucio Fontanas Werk: Er beginnt mit Hilfe eines Messers in feinen Schnitten auf der Leinwand zu „zeichnen“. Jene „Tagli“ entstehen zunächst zufällig, werden aber bald zum maßgeblichen, kompositorischen Prinzip. Durch den Akt der Zerstörung der Bildfläche stellt Fontana die Regeln der traditionellen Tafelmalerei infrage. Mit diesem revolutionären Ansatz erhält der Künstler große Aufmerksamkeit: 1959 erfolgt mit den „Concetti Spaziali“ („Raumkonzepten“) die Teilnahme an der documenta II, 1960 ermöglicht der Düsseldorfer Galerist Alfred Schmela Lucio Fontana mit seinen „Tagli“ die erste Einzelausstellung in Deutschland. Die vorliegende kleine, kompakte Collage „Concetto Spaziale“ von 1959 wird hier wohl erstmals präsentiert. Ein schlankes, graues Rechteck beherrscht das Zentrum der Komposition. In raschem, dichtem Pinselduktus verleiht Fontana der Fläche Lebendigkeit. Hier zeigen sich bereits deutliche Parallelen zu den späteren, monochromen Leinwänden. Der gesamte Bildaufbau ist der Beziehung zwischen Oberfläche und räumlicher Tiefe geschuldet. Ein schwarzer, seidig glänzender Stein im Zentrum des Bildes wird von einer collagierten Erhöhung hinterlegt und markiert den höchsten Punkt der Komposition. Seine glänzende Materialität lässt an die Serie der „Pietre“ Anfang der 1950er Jahre erinnern, in der farbige Glassteinchen die Räumlichkeit und die Lichtwirkung der Oberfläche verstärken. Auch das keramische Werk findet in der besonderen Haptik und Oberflächenstruktur der Collage deutliche Anklänge. Eine weitere räumliche Ebene eröffnet sich dem Betrachter durch das Prinzip der „Tagli“: Diagonale und vertikale Schnitte im oberen und unteren Bereich der grauen Fläche lassen einen darunterliegenden schwarzen Grund erahnen und erzeugen die Illusion von unbegrenzter Tiefe. Die Idee der „Concetti Spaziali“, die den Raum als „sich frei entfaltendes, unbegrenztes Kontinuum“ begreift, findet hier ihre meisterliche Umsetzung: „Das Kunstwerk ist nicht ewig, die Zeit hält die Existenz des Menschen und seine Schöpfung fest; ist der Mensch einmal nicht mehr, setzt sich das Unendliche fort. Die Entdeckung des Kosmos ist eine neue Dimension, sie ist das Unendliche: Wenn ich also die Leinwand durchbohre, die für alle Künste grundlegend war, dann habe ich eine unendliche Dimension geschaffen, ein X, das für mich die Grundlage der gesamten zeitgenössischen Kunst bildet.“ (Interview mit Lucio Fontana in: Carla Lonzi, Autoritratto, Bari 1969, S. 169)In ihrer besonderen Materialität und dichten Komposition stellt die vorliegende Arbeit „Concetto Spaziale“ eine wichtige Position im Werk Fontanas dar, sie markiert die Schnittstelle zwischen bildhauerischem und malerischem Werk und darf als ein sehr frühes Beispiel der Werkgruppe der „Tagli“ gelten. Provenienz: Sammlung Alfred Schmela, Düsseldorf; Privatsammlung, Rheinland;Privatbesitz, Süddeutschland. Taxation: differenzbesteuert (VAT: Margin Scheme).
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Betrag
1
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EUR
Schätzpreis
20.000 - 30.000 EUR
Giacomo Manzù (1908 Bergamo - Rom 1991) – Cardinale Seduto. Bronze mit goldbrauner Patina. (1972). Ca. 48,5 x 25 x 20,5 cm. Eines von nur 7 Varianten. Auf der Plinthe mit Stempelsignatur und dem Gießerstempel „NFMM“. Mit einer Fotoexpertise von Giulia Manzoni, Fondazione Giacomo Manzù. Das Werk ist im Archiv unter der Nummer 57/2020 registriert. • Typischer „Cardinale Seduto“ mit sehr schöner goldbrauner Patina • Die Kardinäle sind das Markenzeichen Giacomo Manzùs • Ein vergleichbarer Kardinal in monumentaler Ausführung befindet sich im Getty Museum, Los Angeles.
Giacomo Manzù gehört zu den wichtigsten Bildhauern des 20. Jahrhunderts. Zu seinen Vorbildern zählen die großen Avantgardisten der Moderne: Picasso, Rodin und Degas. Eines der frühen Hauptwerke des Italieners befindet sich am Petersdom, 1963 schuf er für das linke Portal die „Porta della Morte“ für seinen verstorbenen Freund Papst Johannes XXIII. Die äußere Silhouette des christlichen, liturgischen Ornats, den Bischofsmantel und die dreieckige Mitra greift Manzù in vielen Varianten auf. Seine Kardinäle sind mal sitzend, mal stehend klassischen Fragen der Bildhauerei verpflichtet und sind meist in Bronze ausgeführt. Die menschliche Figur verschwindet fast vollständig, umhüllt von Mantel und Mütze, deren weiche voluminöse Formen an der Grenze zwischen Figuration und Abstraktion angesiedelt sind. Provenienz: Nachlass des Künstlers;Privatsammlung, Italien. Taxation: differenzbesteuert (VAT: Margin Scheme).
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1
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EUR
Schätzpreis
40.000 - 60.000 EUR
Lynn Chadwick (1914 London - Stroud/Gloucestershire 2003) – Two Standing Figures. Bronze mit schwarzer Patina (2-teilig). (19)77. Höhe ca. 21 cm. Eines von nur 8 nummerierten Exemplaren. Mit gestanztem Künstlersignum, Datierung und Werknummer jeweils auf der seitlichen Flanke der Figur. Farr-E. Chadwick 757. • Ausnehmend anmutiges Skulpturenpaar aus der besten Zeit des englischen Bildhauers • Typische Synthese aus kräftig-fragil und figürlich-abstrakt • Lynn Chadwick ist einer der bedeutendsten Bildhauer des 20. Jahrhunderts Lynn Chadwicks „Two Standing Figures“ sind charakteristisch für seine bedeutendste Schaffensphase. In den 1970er Jahren widmet er sich vornehmlich der menschlichen Figur, die er immer stärker abstrahiert. Individuelle Gesichtszüge besitzen Chadwicks Figuren nicht, ihre menschliche Physis wird reduziert auf klare geometrische Formen. In ihrer Anmutung sind sie zugleich kraftvoll und fragil. Von dieser zutiefst menschlichen Dualität leben auch die beiden vorliegenden Figuren. Die kantigen Köpfe wenden sich einander zu, sie ruhen auf einem soliden Korpus, der jedoch nur von zarten Beinchen getragen wird. Der Bildhauer verleiht seinen Figuren etwas Archetypisches, es ist eine allgemeingültige Darstellung des Menschen. Mit seiner ureigenen Formensprache gelingt dem Briten ein maßgeblicher Beitrag zur Erneuerung der Skulptur nach 1945. Wie Henry Moore oder Alberto Giacometti ist es auch bei Chadwick das Streben nach einer Rückkehr zu den Urformen der Natur, die von der menschlichen Zivilisation verschüttet wurden. Bereits Mitte der 1950er Jahre war er auf der documenta in Kassel (1955) und der Biennale Venedig (1956) vertreten, fortan war er aus dem künstlerischen Diskurs nicht mehr wegzudenken. Provenienz: Galerie Thomas, München; Privatbesitz, Bayern, in den 1970ern bei Vorgenannter erworben. Taxation: differenzbesteuert (VAT: Margin Scheme).
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Unter Mindestpreis
Höchstbieter
Betrag
1
Ihr Maximalgebot
EUR
Schätzpreis
20.000 - 30.000 EUR
Otto Piene (1928 Bad Laasphe/Westfalen - Berlin 2014) – Ohne Titel. Feuergouache mit Silberspray auf bräunlichem Karton. (19)73. Ca. 68 x 96 cm. Signiert und datiert unten rechts. • Charakteristische Arbeit mit rotem Auge im Zentrum, kontrastreich begleitet von feinem Silberstaub • Feuergouachen wie diese sind Klassiker des Œuvres von Piene • Otto Piene ist weltweit in Museen vertreten, zuletzt war er im Museum Tinguely in Basel zu sehenKräftig und geheimnisvoll leuchtet das rote Feuerauge im Zentrum dieser Komposition. Die Zeichnung aus Rauch und Feuer greift Raum bis an die Blattränder. Am oberen Rand hat das Feuer seine eigene Silhouette geschaffen. Otto Piene beginnt bereits 1959, das Element des Feuers in den schöpferischen Prozess einzubeziehen. Neben der intensiven Beschäftigung mit dem Zusammenspiel von Licht und Raum, welche die Künstler der ZERO-Gruppe in dieser Zeit verbindet, geht es Piene auch um den Aspekt der Wirkkraft der Farbe. Provenienz: Privatsammlung, Baden-Württemberg;Ketterer Kunst, München 6.12.2014, Los 846;Privatsammlung, Süddeutschland. Taxation: differenzbesteuert (VAT: Margin Scheme).
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Betrag
1
Ihr Maximalgebot
EUR
Schätzpreis
35.000 - 45.000 EUR
Otto Piene (1928 Bad Laasphe/Westfalen - Berlin 2014) – „Flamingo” . Feuergouache und Acryl auf festem Karton. (19)75. Ca. 100 x 65 cm. Signiert und datiert unten rechts, betitelt unten links. • Besonders gelungenes Exemplar einer Feuergouache in der Form eines Flamingos • Die Feuergouachen sind Ikonen seines Schaffens • Neben Günther Uecker und Heinz Mack ist Otto Piene der wichtigste Vertreter der ZERO-BewegungFür die Arbeitsweise Otto Pienes ist das Experiment mit dem Feuer als unmittelbares gestalterisches Element bestimmend. Durch unterschiedlichen Farbauftrag und das gezielte Aufsprühen eines Fixativs manipuliert Piene den „Flamingo“ auf dem Bildträger und schafft dadurch immer neue Rauchformationen. Der Künstler verwandelt die zerstörerische Kraft des Feuers in eine kreative und lässt den Betrachter durch die so entstehenden Blasen, Rußkrusten und Rauchspuren teilhaben am künstlerischen Schaffensprozess. Das faszinierende Wechselspiel von Kreation und Destruktion kommt in der bewusst auf Schwarz und Rot reduzierten Arbeit klar zum Ausdruck. Provenienz: Lempertz, Köln 4.12.2010, Los 477;Privatsammlung, Süddeutschland. Taxation: differenzbesteuert (VAT: Margin Scheme).
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EUR
Schätzpreis
25.000 - 30.000 EUR
John Angus Chamberlain (1927 Rochester/Indiana - New York 2011) – Compression. Acryllack auf Aluminiumfolie auf Steinsockel. (Um 1973). Ca. 9 x 10 x 13 cm. Auf der Unterseite mit einem Etikett und der Nummerierung „#22091”. Nicht bei Sylvester. • Die Compression-Skulpturen sind eine zentrale Serie in seinem Werk • Die Spannung zwischen Zerstörung und Schöpfung machen die Skulpturen gleichzeitig aggressiv und poetisch • Werke des Künstlers befinden sich in den wichtigsten Museen der Welt, u.a. im MoMA in New York, dem Centre Pompidou in Paris und der Tate Gallery in London
Dieses Werk gehört zu einer Werkreihe, die der amerikanische Bildhauer John Chamberlain 1972 begann. Er experimentierte mit industrieller Aluminiumfolie, die zu Kugeln geformt und anschließend stark komprimiert wurde. Das Material wurde dann mit Autolack und Polyesterharz besprüht, wodurch die glänzende, vielschichtige Oberflächenstruktur entstand. Die Skulpturen wurden 1973/74 erstmals in der Castelli Gallery in New York präsentiert. Da viele dieser Werke im Laufe der Zeit beschädigt wurden oder verloren gegangen sind, zählt dieses Exemplar zu den wenigen erhaltenen Stücken dieser fragilen Serie. Provenienz: Lorraine Chamberlain, direkt vom Künstler erworben;Privatsammlung, Birmingham/Michigan, ca. 1997 bei Vorgenannter erworben;Christie's, New York, 3.3.2017, Los 23;Privatsammlung, Baden-Württemberg, bei Vorgenannter erworben. Taxation: differenzbesteuert (VAT: Margin Scheme).
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Betrag
1
Ihr Maximalgebot
EUR
Schätzpreis
20.000 - 25.000 EUR
Enrico Castellani (1930 Castelmassa/Rovigo - Celleno/Viterbo 2017) – Ohne Titel. Tempera und Reliefdruck auf Velin von CMF Fabriano. (19)66. Ca. 69 x 51,5 cm. Signiert und datiert unten rechts. Mit einer Fotoexpertise des Archivio Castellani, Mailand. Das Werk ist im Archiv unter der Nummer 66-021-C registriert. • Farbintensives Unikat mit Reliefdruck • Aus der wichtigen Zeit der Mailänder Avantgarde zu der auch Lucio Fontana, Piero Manzoni und Agostino Bonalumi gehören. • Werke des Künstlers befinden sich in Museumssammlungen weltweit Provenienz: Finarte, Rom;Privatsammlung, Italien. Taxation: differenzbesteuert (VAT: Margin Scheme).
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Alighiero Boetti (1940 Turin - Rom 1994) – Piegare e Spiegare. Farbige Handstickerei auf Leinwand. (1989). Ca. 24 x 24 cm. Verso auf der umgeschlagenen Leinwand signiert sowie bezeichnet mit Größenangaben. In Atelierleisten und Objektrahmen. Mit einer Fotoexpertise des Archivio Alighiero Boetti, Rom, vom 11.3.2021. Das Werk ist im Archiv unter der Nummer 1168 registriert. • Die typische Wortstickerei ist tiefgründige Reflexion über Sprache, Ordnung, Zufall und Kultur • Mit dem Medium Stickerei verbindet Boetti alte Handwerkstradition mit modernen konzeptuellen Ideen • Boetti ist einer der bedeutendsten Vertreter der Arte PoveraAlighiero e Boetti, einer der bedeutendsten Protagonisten der italienischen Arte Povera, findet Anfang der 1970er Jahre eine zweite Heimat in Afghanistan, das zu der Zeit noch ein florierendes freies Land ist. Er betreibt in Kabul mit Freunden ein Hotel und beginnt ab 1971, afghanische Frauen mit der Umsetzung seiner legendären „Weltkarten“ und Wortstickereien zu beauftragen. Entscheidend ist dabei, dass Boetti nur die Idee, also das Konzept, vorgibt und die Farbwahl den Stickerinnen überlässt, auf deren außergewöhnlichen Geschmack und handwerkliche Erfahrung er sich verlässt. Die Wortstickereien folgen einem präzise festgelegten Verteilungsschema für die Buchstaben in einem Gitter aus gleichen Rechtecken, das sich nicht von links nach rechts, sondern von oben nach unten lesen lässt: „Piegare e Spiegare“ ist ein Wortspiel und bedeutet soviel wie „falten“ und „entfalten/erklären“. Boetti lässt sich mit diesen Arbeiten wie kein anderer Künstler von Weltrang von der fremden orientalischen Kultur nicht nur inspirieren, sondern stellt sich in seiner eigenen Arbeitsmethode strukturell auf das Fremde ein. Provenienz: Privatsammlung, Italien. Taxation: differenzbesteuert (VAT: Margin Scheme).
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Giorgio Griffa (1936 Turin) – Movimento azzurro. Acryl auf Leinwand. 1983. Ca. 109 x 101 cm. Verso signiert und datiert. Mit einer Expertise des Archivio Giorgio Griffa, Turin, vom 12.3.2024. Das Werk ist im Archiv unter der Nummer AGG1983-023 registriert. • Farblich und kompositorisch besonders überzeugende Arbeit • Griffa ist ein radikaler Forscher zu den Grundelementen der Malerei • Werke des Künstlers befinden sich in vielen italienischen Privatsammlungen Giorgio Griffa profiliert sich in den späten 1960er Jahren im Umfeld der Turiner Galerie von Gian Enzo Sperone als ein radikaler Forscher zu den Grundelementen der Malerei. Die hier vorliegende Arbeit veranschaulicht das eindrücklich: Sie ist beispielhaft für einen ungewöhnlichen Arbeitsprozess, bei dem ungrundiertes Leinen auf den Boden gelegt wird, damit es aufgetragene Farbsymbole und -streifen langsam absorbiert. Sobald die Farbe getrocknet ist, werden die Arbeiten wie Stoffe gefaltet und zur Präsentation ohne Rahmung direkt auf die Wand genagelt. Die Spuren der Faltung werden dabei zu einem zusätzlichen Gestaltungselement.Giorgio Griffa verfolgt zeitlebens einen Weg, der die malerische Praxis erweitert und folgt darin grundlegenden Ideen der Analytischen Malerei sowie der Arte Povera. In seinen Werken beschwört er die Einfachheit der Materialien und Reduzierung der Mittel und lässt vor allem die Qualität des Malauftrages und des Bildträgers wirken. Für Griffa ist die Malerei eine Handlung, ein Ausdrucksmittel, um alle künstlerischen Bereiche des Lebens erfassen zu können. Provenienz: Galerie Wolfgang Wassermann, München; Privatsammlung, Norddeutschland. Taxation: differenzbesteuert (VAT: Margin Scheme).
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Nicholas Krushenick (1929 - New York - 1999) – Ohne Titel. Acryl auf Leinwand. 1966. Ca. 141 x 104 cm. Verso auf der Leinwand signiert und datiert „Mar 1966” sowie bezeichnet mit Richtungspfeil. • Typische dynamische Arbeit mit kräftiger Farbgebung, formaler Strenge und grafischer Intensität • Ehemals Sammlung Karl Ströher, eine der bedeutendsten Sammlungen zeitgenössischer Kunst in Deutschland nach 1945 • Krushenicks Kombination von Pop-Art mit den formalen und stilistischen Elementen der Abstraktion führen zu einer einzigartigen, energiegeladenen und zugänglichen Bildsprache Mitte der 1960er Jahre stand der amerikanische Künstler Nicholas Krushenick auf dem Höhepunkt seiner Karriere. Er hatte seinen charakteristischen Stil der „Pop-Abstraktion“ bereits entwickelt und war einer der angesagten Künstler in der damaligen New Yorker Kunstszene. Seine lockeren Geometrien und netzartigen Anordnungen ähneln stark vergrößerten Details aus Cartoons. Die kräftige Farbgebung, die formale Strenge und schiere grafische Intensität seiner Bilder heben Krushenick von seinen Zeitgenossen ab. Das hier vorliegende Werk ist in jeder Hinsicht typisch für diese wichtige Zeit im Œuvre des Künstlers: ein kühnes pinkfarbenes Farbfeld wird von weißen lamellenartigen Formen eingefasst, die durch prägnante schwarze Umrisse gleichzeitig abgeflacht wie verstärkt wirken. Dabei setzt Krushenick geometrische Formen und intensive Farbflächen so gegeneinander, dass sie in der Kombination beinahe rhythmisch wirken. Die Farbigkeit spielt nicht nur auf die lebendige Konsumwelt an, sondern erzeugt auch eine optische Dynamik, die seine Werke bis heute zeitgenössisch erscheinen lassen.In den 1960er und 1970er Jahren wurde Krushenick in vielen der einflussreichsten und renommiertesten Galerien der USA und Europas gezeigt. Seine Werke wurden u.a. von der Galerie Sonnabend in Paris, der Galerie Beyeler in Basel und der Pace Gallery in New York vertreten. Seine erste europäische Retrospektive fand 1972 in der Kestner-Gesellschaft in Hannover statt. Ausstellung: Aktuelle Strömungen in der modernen Kunst, Hessisches Landesmuseum, Darmstadt 1967, Kat.-Nr. 16 (dort mit abweichendem Titel);Bildnerische Ausdrucksformen 1960-1970, Sammlung Karl Ströher, Hessisches Landesmuseum, Darmstadt 1970, mit farb. Abb. S. 199. Provenienz: Galerie Müller, Stuttgart;Privatsammlung Karl Ströher, Darmstadt, bei Vorgenannter 1966 erworben;Christie's, London 26.6.1984, Los 600;Privatsammlung, Hessen. Taxation: differenzbesteuert (VAT: Margin Scheme).
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Tom Wesselmann (1931 Cincinnati - New York 2004) – Open Ended Nude (Drawing Edition) #14. Mischtechnik mit Bleistift und Liquitex auf Bristolkarton. (19)71. Ca. 9,5 x 22,5 cm. Signiert, datiert sowie mit persönlicher Widmung unten links. Wir danken dem Tom Wesselmann Estate für die freundlichen Hinweise bei der Katalogisierung dieses Werkes. Die Arbeit ist im Archiv des Tom Wesselmann Estate registriert. • Die „Open Ended Nude“-Serie von Tom Wesselmann ist ein markantes Beispiel für die Verschmelzung von Pop-Art, erotischer Kunst und modernistischer Reduktion • Wesselmanns „Nudes“ sind stark stilisiert, der Fokus liegt auf der Abstraktion und der Betonung von Farbflächen und Formen. • Wesselmann gehört zu den wichtigsten Vertretern der US-amerikanischen Pop-Art-Bewegung; zu seinem Hauptmotiv zählt der weibliche AktDer Akt von Tom Wesselmann aus der Serie der „Open Ended Nude (Drawing Edition)“ mit der Nummer 14 ist eine Ikone der Pop-Art. Gezeichnet ist das charakteristische Motiv nach einer vom Künstler handgefertigten Schablone und unterschiedlich ausgeführt. Manche Varianten sind sehr reduziert und nur in Bleistift ausgeführt, eine in Farbstift und Transparentpapier, meistens jedoch mit verdünntem Liquitex wie hier. Die Serie beendete Tom Wesselmann, als er die Nummer 200 erreichte, nachdem er fast 20 Jahre lang daran gearbeitet hatte. Provenienz: Ronny und Caren Aigen, 1971 vom Künstler als Hochzeitsgeschenk erhalten;William Doyle Auctions, New York 22.5.2007, Los 1207;Wienerroither & Kohlbacher, Wien, verso mit dem Galerieetikett;Privatsammlung, Baden-Württemberg. Taxation: differenzbesteuert (VAT: Margin Scheme).
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Salvo (Salvatore Mangione) (1947 Leonforte – Turin 2015) – „Capriccio“. Öl auf Leinwand. (2008). Ca. 45 x 30 cm. Verso auf der Leinwand signiert, betitelt und schwer leserlich bezeichnet. Mit einer Fotoexpertise von Cristina Tuarivoli, Archivio Salvo, Turin. Das Werk ist im Archiv unter der Nummer S2008-161 registriert. • Heitere, überaus reizvolle Darstellung einer toskanisch anmutenden Landschaft • In der satten Farbgebung des „Capriccios“ und dem reizvollen Wechselspiel von Architektur und Natur offenbart sich der einzigartige Malstil, der Salvos internationale Berühmtheit begründet • Salvo, der bereits in den 1970er Jahren in der namhaften Galerie von Gian Enzo Sperone, Turin, ausstellte, zählt aktuell zu den gefragtesten Künstlern weltweitDie künstlerischen Wurzeln Salvos sind in der Arte Povera der späten 1960er Jahre zu finden. Von 1969 bis 1972 teilt er sich mit dem ebenfalls autodidaktisch arbeitenden Alighiero Boetti ein gemeinsames Atelier in Turin. 1972 wird Salvo zur Teilnahme an der documenta 5 in die Abteilung „Individuelle Mythologien“ eingeladen, einer Idee Harald Szeemanns, bei der ein Rückzug des Künstlers ins Private und eine von den individuellen Erlebnissen und Erinnerungen des Künstlers geprägte symbolische Bildsprache im Vordergrund stehen sollen. Mit Beginn der 1970er Jahre widmet sich Salvo immer stärker der traditionellen Malerei. Das „Capriccio“ von 2008 zeigt ein reizvolles Wechselspiel von Architektur und natürlichen Formen. Bildbeherrschendes Motiv ist ein Paar monumentaler toskanischer Säulen, dahinter erscheinen, ebenfalls gepaart, zwei Pinienbäume. In einer weiteren Ebene der Komposition folgen zwei Wolken, die in ihren Formen den Kronen der Pinienbäume stark ähneln. Das sanfte Wogen des Meeres ist mit wenigen Pinselstrichen angedeutet. Salvo ist eine spielerisch reizvolle Komposition ganz im klassischen Sinne eines Capriccios gelungen. Provenienz: Privatsammlung, Italien. Taxation: differenzbesteuert (VAT: Margin Scheme).
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Imi Knoebel (1940 Dessau) – Figura Gimel. Acryl auf Aluminium. 2019. Ca. 217 x 263 x 4,5 cm. Verso auf der Platte signiert und datiert sowie bezeichnet mit Richtungspfeil. Verso mit typografischem Etikett. • Farblich besonders überzeugendes Werk der Figura-Serie • Erstmals auf dem internationalen Kunstmarkt • Imi Knoebel gilt mit seinem mehr als fünf Jahrzehnte umfassenden Werk als der herausragende Vertreter einer radikal gegenstandslosen Malerei, seine Werke befinden sich in Museumssammlungen weltweit Zitat: „Oft ist es das Wenige, das vollkommen genügt, und wo du einfach von allem sonst nur belästigt wirst, weil es zu viel ist.“ Imi KnoebelImi Knoebel gilt als einer der radikalsten und konsequentesten deutschen Künstler seit den 1960er Jahren. Mit seinem mehr als fünf Jahrzehnte umfassenden Werk ist er der herausragende Vertreter einer rigoros abstrakten Malerei, die von Beginn an die Grenzen des Genres sprengt und den Raum grundsätzlich mitdenkt. Dabei verfolgt er einen experimentellen Ansatz und eine serielle Arbeitsweise, die sich durch eine haptische Farbgebung, ein geometrisches Formenvokabular und die Einfachheit des Materials auszeichnet. Seine Figura-Arbeiten bestehen aus geformten Aluminiumtafeln, einem Material, das Knoebel seit den 1990er Jahren verstärkt einsetzt. Zunächst, um klar begrenzte monochrome Farbfelder zu skulptural-konstruktiven Anordnungen übereinanderzuschichten. Die Figura-Arbeiten haben einen grundsätzlich anderen Charakter, denn sie vermitteln durch ihre spielerische Formgebung, die an Wolken und amorphe Figuren erinnern, eine andere Leichtigkeit. Diese großformatigen Aluminiumarbeiten sprengen in guter Knoebel-Manier jede Grenze traditioneller Kunstbegrifflichkeit. Sie verbinden Gemälde mit Skulptur, Farbe mit Unfarbe, Geometrie mit Emotion, Form mit Struktur und rigide Ordnung mit unbekümmertem Freiheitsdrang.„Figura Gimel“ ist mit leichtem Abstand von der Wand montiert, was ein Gefühl der Schwerelosigkeit hervorruft, das durch die überschwängliche Form und lebendige Oberfläche verstärkt wird. Die Verwendung von Pastellfarben in der Komposition steht für ein offenes visuelles Vokabular und subtile Tonvariationen, die aus der reich strukturierten Pinselführung hervorgehen. Die leuchtenden Farben erscheinen fast losgelöst von der Bildfläche und entwickeln ein Eigenleben. Ihr Zweck liegt nicht in der Darstellung einer vorgefassten Idee, sondern vielmehr in ihrer reinen Präsenz und der unmittelbaren Wirkung auf den Betrachter.Eine große institutionelle Präsentation von Knoebels Werken war 2023 in der Sammlung Goetz, München, zu sehen. Werke von Imi Knoebel befinden sich weltweit in Museumssammlungen, darunter: Bayerische Staatsgemäldesammlungen, München, Bonnefantenmuseum, Maastricht, Centre Georges Pompidou, Paris, Dia:Beacon/NY, FNAC, Paris, Fundação de Serralves, Porto, Gemeentemuseum Den Haag, Kunstmuseum Basel, MoMA Museum of Modern Art, New York, Reina Sofia, Madrid, San Francisco Museum of Modern Art, San Francisco und Toyota Municipal Museum of Art, Toyota. Provenienz: Atelier des Künstlers;Privatsammlung, Belgien. Taxation: differenzbesteuert (VAT: Margin Scheme).
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50.000 - 70.000 EUR
Imi Knoebel (1940 Dessau) – Ohne Titel . Lack auf Holzfaserplatte, teils geritzt. (19)90. Ca. 130 x 93 cm. Verso auf der Platte signiert und datiert. • Charakteristische Arbeit auf Holzfaserplatte mit reizvoller Oberflächenhaptik • Form und Struktur des Werkes treten durch den konsequenten Einsatz von Schwarz in den Vordergrund • Erstmals auf dem internationalen KunstmarktImi Knoebel begann seine künstlerische Laufbahn in der legendären Beuys-Klasse an der Düsseldorfer Akademie und arbeitete von Anfang an in analytischen Werkserien. In minimalistischen Mischformen aus Malerei und Skulptur untersucht er Form, Farbe, Material, Licht und Linie. Ein wichtiger Bezugspunkt für ihn ist von Anfang an eine Ikone der gegenstandslosen Kunst: das berühmte „Schwarze Quadrat auf weißem Grund“ von Kasimir Malewitsch aus dem Jahr 1915. Der Farbe Schwarz als Summe aller nur möglichen Farben, kommt in Imi Knoebels Œuvre eine besondere Bedeutung zu: Sie stellt einen logischen Gegenpart zu den sonst leuchtend klaren Farben seiner Werke dar. In diesem Kontext ist die Werkserie der schwarzen „Schlachtenbilder“ zu sehen, die 1990 zunächst in der Galerie Vera Munro in Hamburg und im darauffolgenden Jahr in der Ausstellung „Metropolis“ in Berlin erstmals ausgestellt wurden. Sie sind in ihrer Serialität, der reduzierten Farbigkeit und der experimentellen Verwendung einfacher Materialien charakteristisch für Knoebels Kunstverständnis. Knoebel sucht in diesen großformatigen schwarzen Bildern einen neuen Umgang mit einem Material, dessen perfekte, glatte Oberfläche er mit Klingen, Sticheln und anderen Werkzeugen rigide bearbeitet: Er durchbricht den Bildträger mit malerischen, akzentuiert gesetzten Verletzungen und übermalt ihn anschließend mit glänzend schwarzer Lackfarbe. Die Arbeit verweist auf die Materialität und Räumlichkeit des Bildträgers, der so zum Ausdrucksträger und damit zum skulpturalen Objekt wird. Provenienz: Atelier des Künstlers;Privatsammlung, Belgien. Taxation: differenzbesteuert (VAT: Margin Scheme).
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20.000 - 30.000 EUR
Georg Herold (1947 Jena) – Ohne Titel (Kaviar rot). Mischtechnik mit Kaviar, Acryl und Lack auf Leinwand. (19)89. Ca. 91 x 120 cm. Verso auf der Rahmenleiste signiert und datiert. • Herausragendes, sehr seltenes Werk in Rot aus der Reihe der Kaviarbilder • Herolds Kaviarbilder sind charakteristisch für sein Werk, das provoziert und sich einem inhaltlich eindeutigen Zugriff verweigert • Zusammen mit Martin Kippenberger, Albert und Markus Oehlen sowie Werner Büttner zählt Georg Herold in den 1980er Jahren zu den international einflussreichsten Vertretern zeitgenössischer Kunst Georg Herolds Werke sind subtil und ironisch, sowohl in seinen Skulpturen als auch in seiner Malerei verweigert er sich tradierten Zuschreibungen. Herolds Skulpturen bestehen häufig aus banalen Materialien, seine Leinwände bestückt er teils mit Latten oder Steinen, mit dem Pinsel bemalt er sie selten. In den 1980er Jahren eröffnet er das Kapitel der Kaviarbilder, in ihnen hinterfragt Herold die überhöhte Vorstellung von Kunst und die Einzigartigkeit künstlerischen Schaffens. Allgemein gilt Kaviar als wertvoller Gaumenschmaus, er steht für Luxus und Überfluss. Auf den ersten Blick hat er wenig mit Kunst zu tun, sodass er auf einer Leinwand den Charakter des Experimentellen erfährt und die Grenzen der Malerei sprengt. Durch den fixierten Roggen erhält die Leinwand eine feine Textur, eine abstrakte Komposition wird erkennbar. Die Kaviarbilder sind Herolds spielerisch-tiefgründiger Kommentar zu den Mechanismen des Kunstmarktes und Ausdruck seiner kritischen Distanz zum kommerzgetriebenen Kunstbetrieb. Provenienz: Privatbesitz, Baden-Württemberg, direkt vom Künstler erworben. Taxation: differenzbesteuert (VAT: Margin Scheme).
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30.000 - 50.000 EUR
Christo und Jeanne-Claude (1935 Gabrowo/Bulgarien - New York 2020 und 1935 Casablanca - New York 2009) – Wrapped Reichstag / Project for Berlin. Collage mit Bleistift, Emaillefarbe, Kreide und Klebeband auf Karton, aufgelegt auf Holzplatte, in O.-Plexiglasrahmen. 1994. Ca. 36,5 x 57 cm. Signiert und datiert unten rechts. Verso auf der Rahmenrückwand nochmals signiert und datiert. Mit einer Echtheitsbestätigung vom Estate of Christo V. Javacheff vom 28.10.2021 mit der Nummer 310-11. Das Werk ist im Archiv registriert. • Reizvolle Collage mit einem Stück des Verpackungsmaterials für die legendäre Verhüllung des Berliner Reichstages 1995 • Die vielschichtige, zeichnerisch feine Komposition ist exemplarisch für die Arbeitsweise des weltberühmten Künstlerpaares • Vorstudie zu einem der bedeutendsten und ihres größten in Deutschland realisierten Kunstprojekts mit 5 Millionen BesuchernFotografiert von Wolfgang Volz.Christo und Jeanne-Claude wurden mit ihren monumentalen Verhüllungsprojekten weltweit bekannt. Die Verhüllung des Reichstags in Berlin im Sommer 1995 ist eines ihrer bedeutendsten Werke. Kennzeichnend für das Künstlerpaar ist ihre unerschöpfliche Fantasie, ihr grandioses Vorstellungsvermögen und ihr lebenslanges Festhalten an Ideen. Bereits 1971 haben sie den Vorschlag gemacht, den Reichstag zu verhüllen, realisiert wurde das Vorhaben jedoch erst 24 Jahre später. Sehr lange ist es auf erheblichen Widerstand gestoßen, Politiker sahen das Gebäude als den Inbegriff deutscher Demokratie und fürchteten, die Verhüllung käme einer Entwürdigung gleich. Die Künstler selbst verstanden sie jedoch als einen transformativen Akt, dem Gebäude wurde eine temporäre Aura der Unantastbarkeit verliehen. Gänzlich verhüllt, lud der Reichstag die Betrachter ein, das Gebäude in einer neuen, unvertrauten Form zu erleben, die einerseits die Schwere und den Ernst der Geschichte des Ortes widerspiegelte und gleichzeitig eine Leichtigkeit und Verspieltheit durch die silbrig glänzenden Stoffbahnen ausstrahlte. Die Verhüllung machte das Gebäude geheimnisvoll und zog die Aufmerksamkeit auf die bauliche Struktur, losgelöst von den politischen und historischen Konnotationen.Die Künstler legten, wie bei allen Projekten, großen Wert darauf, dass das Kunstwerk selbstfinanziert war. Diese Unabhängigkeit ist ein zentraler Bestandteil von Christos und Jeanne-Claudes künstlerischem Schaffen, das frei von institutionellen oder staatlichen Einflüssen bleiben sollte. Die Finanzierung erfolgte ausschließlich über den Verkauf von Christos Skizzen und Modellen des Projekts, sie sind das einzig Bleibende in einem ansonsten ephemeren Werk, das von der Teilhabe des Erlebten in der Erinnerung lebt. Ausstellung: Christo und Jeanne-Claude: Verhüllter Reichstag, Berlin, 1971-95. Werke aus Berliner Sammlungen,Villa Schöningen, Potsdam 2013. Provenienz: Privatsammlung, Deutschland;Privatsammlung, Berlin, bei Vorgenannter in den späten 1990er Jahren erworben;Privatsammlung, Italien. Taxation: differenzbesteuert (VAT: Margin Scheme).
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70.000 - 80.000 EUR
Niki de Saint Phalle (1930 Neuilly-sur-Seine - San Diego 2002) – Ohne Titel (Chaise). Bemaltes Holz. Um 1977. Ca. 128 x 45,5 x 54 cm.Unikat. Mit einem Zertifikat der Niki Charitable Art Foundation, Santee, Kalifornien, vom 22.12.2020. Das Werk ist im Archiv der Künstlerin unter der Nummer 09-1977C-001 verzeichnet. • Seltenes, überaus typisches Unikat aus der wichtigsten Zeit im Œuvre der Künstlerin • Fantastische Farbgestaltung von großer Ausdruckskraft und Originalität • Niki de Saint Phalle ist die mit Abstand bekannteste Künstlerin der 1970er Jahre in Europa, ihre Werke befinden sich in privaten und öffentlichen Sammlungen weltweit Zur Zeit der Entstehung von „Chaise“, einem überaus typischen, skulpturalen Möbelstück, war die französisch-schweizerische Künstlerin der breiten Öffentlichkeit längst ein Begriff: ihre farbenfrohen überlebensgroßen „Nana“-Figuren hatten Furore gemacht. Sie standen 1968 während der 4. documenta vor dem Staatstheater Kassel, im selben Jahr nahm Saint Phalle erstmals an einer Ausstellung im Museum of Modern Art in New York teil. Weitere Ausstellungen folgten 1969 in München und Hannover sowie 1970 in Paris, 1971 in Amsterdam, Stockholm und Rom. Es gab kaum eine andere Künstlerin, die in den 1970er Jahren bekannter war und mehr ausgestellt wurde. Niki de Saint Phalle setzte sich kompromisslos über gesellschaftliche Konventionen der Zeit sowie den vorherrschenden Kanon des Kunstbetriebs hinweg. Ihr künstlerischer Schaffensdrang speiste sich aus der Wut gegen eine von patriarchalen Strukturen durchdrungene Gesellschaft, der sie mit ihrem offenherzigen, provokanten Schaffen den Kampf ansagte. Darüber hinaus boten ihr die Künstler des Nouveau Réalisme wie Arman, Daniel Spoerri und Jean Tinguely – ihrem langjährigen Ehemann - ein künstlerisches Umfeld, das von einer intensiven Experimentierfreude und neuen interdisziplinären Ansätzen geprägt war. Die ausdrucksstarke Bemalung von Möbeln und anderen funktionalen Objekten reflektiert den Zeitgeist der 1970er Jahre, in dem expressive Farben und Formen populär wurden. Künstler und Kunstbewegungen wie die Pop-Art und das von Ettore Sottsass gegründete Memphis-Design-Kollektiv inspirierten eine spielerische, oft symbolträchtige Verwendung von Farben und Formen in der Gestaltung von Möbelstücken. „Chaise“ aus dem Jahr 1977 ist ein wunderbares Beispiel dieses neuen Verständnisses: Lehne und Sitzfläche sind mit dem für Niki de Saint Phalle typischen leuchtend-farbigen, vielschichtigen Ornament aus Figuren und Pflanzen bemalt, wobei die Holzstruktur darunter sichtbar bleibt. Das künstlerische Interesse Niki de Saint Phalles richtete sich damals zunehmend auch auf Alltagsgegenstände und Designobjekte, die später als eigenständige Kunstwerke interpretiert und im Galerie- und Museumskontext ausgestellt wurden. Provenienz: Galerie Guy Pieters, Knokke-Heist;vom vorherigen Eigentümer bei Vorgenannter erworben;Privatsammlung, Belgien. Taxation: differenzbesteuert (VAT: Margin Scheme).
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25.000 - 35.000 EUR
Rainer Fetting (1949 Wilhelmshaven) – Willy Brandt. Bronze mit dunkelbrauner Patina. (1996). Höhe ca. 83 cm. Eines von 45 nummerierten Exemplaren. Mit eingeschlagener Signatur und dem Gießerstempel „NOACK BERLIN" auf der Rückseite der Plinthe. • Ikonisches Werk von hohem Wiedererkennungswert • Gesteigerte Plastizität durch detaillierte Oberflächenstruktur • Rainer Fetting gehört heute zu den bedeutendsten gegenständlichen Künstlern in Deutschland Jeder kennt sie, zumindest aus dem Fernsehen: Die ikonische Willy-Brandt-Skulptur von Rainer Fetting im Atrium der SPD-Parteizentrale in Berlin. Sie zeigt den SPD-Politiker Willy Brandt (1913–1992) in einer für ihn typischen, aber für ein Staatsdenkmal ungewöhnlichen Körperhaltung: die rechte Hand gestikulierend erhoben, die andere lässig in der Tasche eines verbeulten Anzugs. Die Skulptur war die erste Auftragsarbeit Fettings, der damals in Berlin als einer der „Jungen Wilden“ vor allem als Maler bekannt war. In seinen „Mauerbildern“ hatte er sich wie kaum ein anderer mit der Geschichte des geteilten Berlins und der Wiedervereinigung künstlerisch auseinandergesetzt. Fetting schuf das Portrait 1996 nach Fotos und Filmen, aus Plastilin und nicht aus Ton, wie eigentlich üblich, und erzielte dadurch eine überaus detaillierte, fast malerische Oberflächenstruktur. Dabei wollte er kein idealisierendes Denkmal erstellen, sondern sowohl den Politiker und Staatsmann als auch den Menschen dahinter zeigen, der unter anderem für seinen berühmten Kniefall von Warschau 1970 weltweite Anerkennung bekam. Im Anschluss an die erste, über drei Meter große Skulptur für die SPD-Zentrale, befasste sich Fetting weitere 10 Jahre mit Interpretationen von Willy Brandt und schuf 1996 unter anderem diese kleinere Version, die in der Aussagekraft der großen kaum nachsteht. Provenienz: Privatsammlung, Bayern. Taxation: differenzbesteuert (VAT: Margin Scheme).
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Abgelehnt
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Betrag
1
Ihr Maximalgebot
EUR
Schätzpreis
50.000 - 70.000 EUR
Gerhard Richter (1932 Dresden) – „25. Sept. '98“. Öl über C-Print, auf Unterlagekarton kaschiert. (19)98. Ca. 10 x 15 cm (Unterlagekarton ca. 33 x 42 cm). Signiert und datiert bzw. betitelt „25. Sept. '98" auf dem Unterlagekarton unten links bzw. unten rechts. Verso nochmals auf dem Unterlagekarton signiert und datiert. Wir danken Dr. Dietmar Elger, Gerhard Richter Archiv, Dresden, für die freundlichen Hinweise bei der Katalogisierung dieses Werkes.Das Werk ist im Online-Werkverzeichnis der übermalten Fotografien verzeichnet. • Äußerst reizvolle Begleiter der zeitgleich entstandenen, großformatigen abstrakten Bilder • Gerhard Richter bringt in den Fotoübermalungen die zwei für ihn zentralen künstlerischen Techniken Fotografie und Malerei zusammen • Auch in diesem Jahr wird Gerhard Richter im Ranking des Kunstkompass wieder als einer der weltweit wichtigsten Künstler gelistet Provenienz: Galerie Fred Jahn, München; Privatsammlung München, bei Vorgenannter erworben. Taxation: differenzbesteuert (VAT: Margin Scheme).
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Gerhard Richter (1932 Dresden) – „10. Okt. 98“. Öl über C-Print, auf Unterlagekarton kaschiert. (19)98. Ca. 12 x 17,5 cm (Unterlagekarton ca. 40 x 44 cm). Signiert und datiert bzw. betitelt „10. Okt. 98" auf dem Unterlagekarton unten links bzw. unten rechts. Verso auf dem Unterlagekarton nochmals signiert und datiert. Wir danken Dr. Dietmar Elger, Gerhard Richter Archiv, Dresden, für die freundlichen Hinweise bei der Katalogisierung dieses Werkes.Das Werk ist im Online-Werkverzeichnis der übermalten Fotografien verzeichnet. • Äußerst reizvolle Begleiter der zeitgleich entstandenen, großformatigen abstrakten Bilder • Gerhard Richter bringt in den Fotoübermalungen die zwei für ihn zentralen künstlerischen Techniken Fotografie und Malerei zusammen • Auch in diesem Jahr wird Gerhard Richter im Ranking des Kunstkompass wieder als einer der weltweit wichtigsten Künstler gelistetVon Anbeginn seiner künstlerischen Laufbahn spielt die Fotografie und insbesondere ihr Verhältnis zur Malerei eine zentrale Rolle im Schaffen Gerhard Richters. Seit Jahrzehnten fotografiert Richter auch selbst, im Alltag, auf Reisen oder bei Ausstellungseröffnungen. Das Basismaterial der Fotoübermalungen sind daher eigene Fotografien, zumeist im Format 10x15 Zentimeter. Sie erheben keinerlei künstlerischen Anspruch, häufig sind es Schnappschüsse, private Aufnahmen oder Reiseeindrücke, wie z.B. Panoramen aus dem Engadin.„Übermalt“ im eigentlichen Sinne – denkt man hier doch zunächst an eine Pinselarbeit – sind die Fotos jedoch nicht! Seit Ende der 1970er Jahre setzt Gerhard Richter in seiner Malerei die sogenannte Rakel ein – starre Schaber, mit denen die Farbe großflächig aufgetragen, verstrichen bzw. von der Leinwand abgeschabt werden kann. Reste der benutzten Farbe bleiben an der Rakel zurück. In den Fotoübermalungen nun bringt Gerhard Richter beide Techniken – Fotografie und Malerei - zusammen: Gegen Ende eines Arbeitstages werden die Fotoabzüge in unterschiedlichem Tempo durch die noch feuchte Farbe der Rakel gezogen oder auf die verbleibenden Farbmassen gedrückt, wieder abgezogen, sodass die glatte Oberfläche des Fotos von dicken Farbschichten oder einem zarten farbigen Wurzelgeflecht überzogen, mit Farbspritzern besprenkelt oder anderen Zufallsmustern bedeckt ist. Überarbeitet wird das Ergebnis in der Regel nicht, sodass die Fotoübermalungen dem Zufall, der spontanen Geste, Raum geben. Manche dieser Kombinationen ergeben neue, ganz eigene Motive, andere erscheinen dem Künstler hingegen als nichtssagend. Er behält die einen und vernichtet die anderen.Materiell und sensorisch treffen in den Fotoübermalungen zwei Welten aufeinander: das glänzende Fotopapier und die pastose Farbe. Mal erweitert diese den fotografisch festgehaltenen Moment assoziativ, wenn sich wie etwa am „10. Okt. 98“ ein filigranes, weiß-rot-grünes Gewächs vor das raue Bergpanorama des Fextals schiebt. Häufig jedoch bildet die Farbe einen bewussten Gegensatz, kraftvoll und lodernd überlagert sie wie am „25. Sept. 98“ die graue Landschaft und setzt einen Kontrast zum trüben Wolkenhimmel. Provenienz: Galerie Fred Jahn, München; Privatsammlung, München, bei Vorgenannter erworben. Taxation: differenzbesteuert (VAT: Margin Scheme).
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Hermann Nitsch (1938 Wien – Mistelbach 2022) – Ohne Titel (Schüttbild). Mischtechnik mit Öl auf Jute mit Blut. 1987. Ca 110 x 90 cm. Verso auf der Jute signiert und datiert, auf der Rahmenleiste nochmals signiert und datiert. Mit einem Zertifikat von Giuseppe Morra, Fondazione Morra, Neapel, vom 9.10.2024. • Typisches, farbintensives Schüttbild in Rot, das den performativen Schaffensprozess abbildet • Mit seinen regelmäßig als Gesamtkunstwerk begangenen Orgien-Mysterien-Theatern im österreichischen Schloss Prinzendorf hat Nitsch Kunstgeschichte geschrieben • Würdigung des 2022 verstorbenen Künstlers zuletzt durch Ausstellungen im Martin Gropius Bau Berlin, der Albertina Wien sowie dem neu eröffneten Wiener Aktionismus Museum (WAM) Hermann Nitsch ist einer der bekanntesten Vertreter des Wiener Aktionismus. Seine dramatischen, performativen Malaktionen, bei denen Tierblut auf Leinwände gegossen wurde, entblößte menschliche Körper zu sehen waren und Kreuzigungen vorgenommen wurden, lösten in den 1960er Jahren heftige Proteste aus und brachten dem Künstler mehrere Gefängnisstrafen ein. Mit seinem Orgien-Mysterien-Theater hatte Nitsch als Maler die herkömmliche Darstellungsebene des Bildes verlassen und sich auf theatralische Aktionen konzentriert. Aus diesen ersten Aktionen entwickelte er sukzessive das Prinzip des „Schüttbildes“, bei dem später rote Farbe mit Pinseln, Schwämmen, aber auch direkt aus der Dose auf Jute bzw. Rupfen aufgebracht wurde. Die vorliegende Schüttung ist die Momentaufnahme einer Malaktion, in der die Gestik des Künstlers Widerhall findet. Provenienz: Sammlung Giuseppe Morra, Neapel, direkt beim Künstler erworben; Privatsammlung, Italien. Taxation: differenzbesteuert (VAT: Margin Scheme).
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Hermann Nitsch (1938 Wien – Mistelbach 2022) – Schüttbild . Acryl und Blut auf Jute. 2010. Ca. 160 x 100 cm. Verso auf der Jute signiert und datiert. Mit einer Expertise des Ateliers Hermann Nitsch vom 14.9.2021. Das Werk ist im Archiv unter der Nummer SF_006_10 registriert. • Formvollendete, pure Malerei des Universalkünstlers Hermann Nitsch • Das leuchtende Rot und der intensive, performative Umgang mit Farbe sind charakteristisch für Nitschs Werk • Herausragendes Beispiel für die zeitlebens hohe Schaffenskraft des Künstlers Ab den frühen 1980er Jahren kehrt Nitsch phasenweise zur reinen Malerei zurück und widmet sich einer Reihe von Schütt- und Schmierbildern. Es ist pure Malerei ohne Kontextualisierung durch eine Aktion. Die Farben werden pastos und unmittelbar mit den Händen aufgetragen, dabei entfalten sie eine starke, physische Präsenz. Im Spätwerk gelingen Hermann Nitsch helle, dem Licht verpflichtete Kompositionen voller Harmonie. Provenienz: Nitsch Foundation; Privatsammlung, Wien. Taxation: differenzbesteuert (VAT: Margin Scheme).
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Sam Gilliam (1933 Tupelo/Mississippi - Washington D.C. 2022) – „Tholos Revisited VIII“. Mischtechnik mit Acryl, Aluminium und Collage auf Leinwand. 1982. Ca. 82 x 107 x 5 cm. Verso auf der Leinwand signiert, datiert und betitelt. Verso auf dem Aluminiumelement nochmals betitelt. • Charakteristisches, farblich besonders überzeugendes "Drape-Bild" • der afroamerikanische Künstler ist einer der Erneuerer des Abstrakten Expressionismus • Werke des Künstlers befinden sich in Museumssammlungen weltweitSam Gilliam war einer der großen Erneuerer, die den amerikanischen Abstrakten Expressionismus in eine neue Epoche führt. Er tauchte Mitte der 1960er Jahre in der Kunstszene von Washington D.C. mit Werken auf, die das Ethos der Washington Color School, die von Künstlern wie Morris Louis und Kenneth Noland maßgeblich geprägt war, weiterentwickelten. Eine Reihe von formalen Durchbrüchen führte bald zu seinen kanonischen „Drape-Bildern“, die die Grundsätze des Abstrakten Expressionismus auf völlig neue Weise erweiterten. Indem er bemalte Leinwände ohne Keilrahmen an den Wänden oder Decken von Ausstellungsräumen aufhängte, veränderte Gilliam das Medium der Malerei und den Kontext, in dem sie betrachtet wurde. Für einen afroamerikanischen Künstler, der sich auf dem Höhepunkt der Bürgerrechtsbewegung in der Hauptstadt befand, war dies nicht nur ein ästhetischer Vorschlag, sondern auch eine Möglichkeit, die Rolle der Kunst in einer sich dramatisch verändernden Gesellschaft zu definieren. In der Folge verfolgte Gilliam einen bahnbrechenden Kurs, bei dem das Experimentelle die einzige Konstante war. Inspiriert von der improvisatorischen Freiheit des Jazz, nehmen seine lyrischen Abstraktionen immer wieder unterschiedliche Formen an. „Tholos Revisited VIII“ aus dem Jahr 1982 ist ein herausragendes Beispiel für diese Herangehensweise. Sam Gilliam war Gegenstand zahlreicher Einzelausstellungen in Institutionen auf der ganzen Welt, darunter das Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Washington, D.C. (2022); das Kunstmuseum Basel, Schweiz (2018); das Whitney Museum of American Art, Philip Morris Branch, New York (1993); das Studio Museum in Harlem, New York (1982); und das Museum of Modern Art, New York (1971), neben vielen anderen Institutionen. Im Jahr 2021 tätigten die Dia Art Foundation, New York, und das Museum of Fine Arts, Houston, den historischen gemeinsamen Erwerb von Gilliams bedeutendem Frühwerk, der monumentalen Installation "Double Merge" (1968), die von 2019 bis 2022 im Dia:Beacon in New York zu sehen war. Sein Werk ist in über fünfzig ständigen Sammlungen vertreten, darunter das Musée d'Art Moderne de Paris, die Tate Modern, London, das Museum of Modern Art, New York, das Metropolitan Museum of Art, New York, und das Art Institute of Chicago. Ausstellung: Red & Black to „D“: Paintings by Sam Gilliam, The Studio Museum in Harlem, New York 1982/83, Kat.-Nr. 11. Provenienz: Middendorf/Lane Gallery, Washington, D.C.;Privatsammlung, USA, 1982 bei Vorgenannter erworben;Phillips, New York 17.5.2017, Los 125;Privatsammlung, Hessen. Taxation: differenzbesteuert (VAT: Margin Scheme).
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Eduardo Paolozzi (1924 Edinburgh - London 2005) – Richard Rogers as Newton. Bronze mit schwarzer Patina. 1990. Ca. 41 x 50,5 x 36 cm. Eines von nur 6 nummerierten Exemplaren. Mit eingeritzter Signatur, Datierung, dem Gießerstempel „Kittl Düsseldorf“ sowie der persönlichen Widmung „FOR RUDI" auf dem Sockel. • Ikonisches Werk im Œuvre des Künstlers • Die Verbindung von figurativer Skulptur und Maschinenästhetik ist stilprägend für den Künstler • Paolozzi war von 1981-89 Professor für Bildhauerei an der Akademie der bildenden Künste MünchenMit der Skulptur „Richard Rogers as Newton“ setzt der britische Künstler Eduardo Paolozzi äußerst geschickt Natur- und Geisteswissenschaft in einen künstlerischen Diskurs. Isaac Newton, die Symbolfigur für die wissenschaftliche Revolution des 17. Jahrhunderts steht hier Pate für den Star-Architekten Richard Rogers, der in den 1970er Jahren für bahnbrechende Bauten wie das Centre Pompidou in Paris und das Lloyd’s-Gebäude in London berühmt wurde. Die Wahl von Richard Rogers als modernes „Porträt“ von Newton ist kein Zufall: Paolozzi verstand Rogers' innovative Architekturen als Ausdruck von Kreativität und wissenschaftlichem Fortschritt. Eigenschaften, die auch Isaac Newton in der Neuzeit verkörperte. Dies verdeutlicht eine in Eduardo Paolozzis Werk häufig auftauchende Dualität: Er stellt einerseits die Mechanisierung und das Maschinenhafte in der modernen Gesellschaft dar, betont aber zugleich die Rolle des Menschen als Schöpfer und Erfinder. Für Paolozzis Skulpturen ist die Verbindung von figurativer Skulptur und Maschinenästhetik typisch: sie wirken oft wie mechanische Assemblagen und drücken durch ihre Struktur eine gewisse Fragmentierung aus und verweisen so auf die Komplexität und Mehrdimensionalität einer sich technologisch schnell transformierenden Zeit. Provenienz: Privatsammlung, München, 1990 direkt vom Künstler erworben. Taxation: differenzbesteuert (VAT: Margin Scheme).
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Richard Serra (1938 San Francisco – Orient, NY 2024) – Bo Diddley aus: Rounds. Radierung auf festem Velin von Somerset. (19)99. Ca. 122 x 120 cm (Blattgröße). Eines von 32 nummerierten Exemplaren. Signiert und datiert unten rechts. Aus der gleichnamigen Folge von 8 Radierungen, herausgegeben von Gemini G.E.L. Los Angeles mit dem Trockenstempel unten rechts, sowie verso mit dem Stempel des Herausgebers und der Werknummer. Gemini G.E.L. Online Catalogue Raisonné RS98-3275;Berswordt-Wallrabe CR 125 (dort mit abweichender Auflagenhöhe). • Imposante Grafik aus der Serie der Rounds von 1999 • Die aufwendigen Radierungen mit skulpturaler Anmutung sind einzigartig in der zeitgenössischen Druckgrafik • Richard Serra ist im März 2024 verstorben, er ist einer der bedeutendsten Künstler weltweit und wird von der Galerie Gagosian vertretenRichard Serras Grafik „Bo Diddley“ gehört zur Rounds-Serie von 1999, die insgesamt acht Drucke umfasst. Die Werke sind nach legendären Jazz- und Bluesmusikern benannt, darunter B.B. King, Coltrane und Bo Diddley. Diese Namensgebung reflektiert den improvisatorischen Charakter von Jazz und Blues, sie steht sinnbildlich für Serras prozesshafte und körperbetonte Arbeitsweise. Für „Bo Diddley“ setzte Serra schwarze öl- und wachsbasierte Kreide ein und übertrug mit Schablonen große Kreise auf die Kupferplatten. Durch das Auftragen der Materialien mit Händen und Füßen entstand eine reliefartige Struktur, sie verstärkt die physische Präsenz der Arbeit. Mit diesem besonders aufwendigen Radierverfahren schafft es der Bildhauer, der Grafik skulpturale Qualität zu verleihen. Provenienz: Galerie Meyer-Ellinger, Köln;Privatbesitz, Süddeutschland, 2002 bei Vorgenannter erworben. Taxation: differenzbesteuert (VAT: Margin Scheme).
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Markus Lüpertz (1941 Liberec/Tschechien) – Ohne Titel (Kuhkopf). Öl auf Leinwand. (1980er Jahre). Ca. 162 x 200 cm. Monogrammiert oben rechts. Im O.-Bleirahmen. • Komplexe Malerei mit kubistischen Anklängen • Herausragendes Werk zwischen Motiv- und Stilmalerei • Markus Lüpertz´ Werk umfasst mehr als 50 Jahre künstlerischen Schaffens und die Vielfalt seiner Themen ist ungebrochen, er zählt zu den bedeutendsten lebenden deutschen KünstlernMarkus Lüpertz´ „Kuhkopf“ ist ein stilgeschichtlich herausragendes Werk des Künstlers. Entstanden ist es in seiner Zeit in Karlsruhe. An der Staatlichen Akademie der Bildenden Künste war Lüpertz 1973 zunächst als Gastdozent und anschließend als Professor bis 1986 tätig. Er selbst beschrieb diese Zeit später als seine erste Freiheit. Im Gepäck hatte er aus seiner früheren Zeit in West-Berlin seine Stilphase der Motivmalerei, schwebende Motive, die in seinen Bildräumen erscheinen und unterschiedlich stark mit der Zeitgeschichte verwoben und unterschiedlich konnotiert sind, wie zum Beispiel Stahlhelme oder militärische Mützen. In der Karlsruher Zeit tritt der zeitkritische Impetus zurück und die neue Werkphase der Stil-Malerei (1977-1984) konkretisiert sich. Der Kuhkopf lässt Anklänge an den Kubismus erkennen, erdige Farben sowie die scharfkantigen Formen kennzeichnen die Komposition. Lüpertz setzt die anatomischen Elemente in einen ansonsten leeren Bildraum, die stark abstrahierten Teile des Kopfes nehmen Bezug aufeinander. Auf diese Weise nimmt das komplexe Gefüge Gestalt an, wird zum kraftvollen, starken Motiv und bleibt doch frei von allem Erzählerischen. Provenienz: Direkt beim Künstler erworben, seither im Privatbesitz, Baden-Württemberg. Taxation: differenzbesteuert (VAT: Margin Scheme).
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35.000 - 40.000 EUR
Georg Baselitz (1938 Deutschbaselitz/Sachsen) – G. Antonin. Mischtechnik mit Aquarell und Tusche auf Bütten. (20)06. Ca. 67 x 50,5 cm. Signiert und datiert „8.8.06“ unten mittig. • Ausgesprochen kraftvolle, dynamisch-expressive Komposition aus der bedeutenden Remix-Serie • Das Motiv geht zurück auf ein Werk aus der Gruppe der „Pandämonischen“ Malerei, damit erregte Baselitz in den 1960er Jahren Aufsehen • Georg Baselitz zählt zu den größten und innovativsten Erneuerern der Malerei des ausgehenden 20. Jahrhunderts und wurde mannigfach gewürdigt, zuletzt in einer von Ulrich Obrist kuratierten Ausstellung in der Serpentine Gallery, LondonGeorg Baselitz beginnt 2005, mit eigenen früheren Motiven zu experimentieren. Das Aufgreifen älterer Motive nennt er in Anlehnung an Neuinterpretationen in der Musik „Remix“. Der Maler untersucht den Prozess seiner künstlerischen Entwicklung und spürt Veränderungen im eigenen Schaffen nach, schließlich interpretiert er Bildfindungen neu. „G. Antonin“ von 2006 zählt zu den Werken dieser Remix-Serie, kennzeichnend für sie ist der stark expressive Umgang mit Farbe und Form. Baselitz arbeitet mit einer deutlich helleren Palette, die Motive wirken leichter, lichter und lassen alles Schwere hinter sich. Vorlage für diesen „Mix“ ist das gleichnamige Gemälde von 1962, ein Werk aus der Reihe der „Pandämonischen“ Malerei. „G. Antonin“ ist der Verweis auf Antonin Artaud und dessen „Theater der Grausamkeit“. Dies ist die zentrale Inspirationsquelle für das Pandämonische Manifest von Georg Baselitz und Eugen Schönebeck. Theater wie Manifest rebellieren gegen tradierte Vorstellungen, feiern das Rohe, Wilde, Ungezügelte als richtungsweisend für eine Erneuerung der Kunst. Mit seinen auf den Kopf gestellten Motiven rückt Georg Baselitz bereits in seinem Frühwerk den malerischen Ausdruck in den Vordergrund und hinterfragt konventionelle Vorstellungen von Komposition und Darstellung. In der Remix-Serie fordert er nicht nur die Sehgewohnheiten seiner Betrachter nochmals heraus, sondern auch seine eigene künstlerische Praxis. Ausstellung: Georg Baselitz, Royal Academy of Arts, London 2007, Kat.-Nr. 130, mit ganzs. farb. Abb. S. 217, verso auf der Rahmenrückwand mit Etikett. Provenienz: Leo Koenig Inc., New York, verso mit Etikett;Privatsammlung, USA;Sotheby's, New York 24.9.2014, Los 329;Privatsammlung, USA. Taxation: Differenzbesteuert zzgl. 7% (VAT: Margin Scheme (non EU)).
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Jonathan Meese (1970 Tokio) – „Die Versuchung des ZED de Large“. Öl auf Leinwand (3-teilig). 2001. Ca. 210 x 420 x 2 cm. (Gesamtmaß). Monogrammiert und datiert unten links. Betitelt unten rechts. Verso auf der Leinwand mehrfach signiert, datiert, betitelt sowie bezeichnet. • Herausragendes, dreiteiliges Frühwerk, das die charakteristische, unbändige Energie und brutale Kraft des experimentierfreudigen Künstlers zeigt • Imposantes Gemälde mit provokanter Darstellung, phallischer Symbolik und Faszination des Totalitären • Typische dynamische, expressive Bild- und Formensprache, intensive FarbenJonathan Meeses expressive Bildsprache setzt auf eine Ästhetik der Übertreibung und Entgrenzung, um das Chaos, die Urkraft und das Anarchische im Menschen sichtbar zu machen. Das Frühwerk „Die Versuchung des ZED de Large“ enthält mythologische und popkulturelle Referenzen, die für den Künstler bis dato eine Inspiration sind, darunter „Zardoz“ (1974), der surreal-dystopische Film von John Boorman, sowie Stanley Kubricks „A Clockwork Orange“ (1971). Beide Filme verhandeln Macht, Unsterblichkeit, Gewalt und die Verführungskraft totalitärer Systeme – Aspekte, die auch Meeses künstlerisches Universum prägen. Der „Versuchung“ ausgesetzt, pendeln „ZED“ und „Alex DeLarge“ zwischen Unschuld und Aggression, zwischen Freiheit und Autorität. Wie die Protagonisten im Film gegen die ideologischen Systeme ihrer Welt ankämpfen, rebellieren Meeses Figuren gegen alle Normen und besinnen sich auf das rohe Potenzial der Kunst. So ist in dem großformatigen Gemälde Meeses Vision von der „Diktatur der Kunst“ bereits angelegt. Es ist eine Welt, in der nur die Kunst absolute Freiheit und Ausdruckskraft verkörpert und allen anderen gesellschaftlichen und politischen Strukturen überlegen ist. Formal zeigt das Werk Meeses typische Stilmittel: grobe Formen, leuchtende Farben und eine expressive, groteske, teils kindlich wirkende Bildsprache. Durch Symbole, Schriftzeichen und phallische Elemente ruft das Werk Kräfte wach, die jenseits gesellschaftlicher Kontrolle existieren. Zur Rolle von ZED und ZARDOZ in seinem Werk sagt Jonathan Meese: „ZARDOZ von JOHN BOORMAN ist der wichtigste, radikalste, notwendigste und zukünftigste Erzfilm aller Zeiten. In ZARDOZ stimmt ALLES, also NICHTS. ZARDOZ ist ein totalster Kunstfilm, komprimierteste Energie, TOTALSTES GESAMTKUNSTWERK und ultimativst ein kunstbiologischster Lichtfilm. Zardoz ist ein richardwagnerartigster Epos der Zukunft, die Evolution wird in diesem Meisterwerk radikalstkunstnotwendigst gewürdigt. ZARDOZ IST REINSTRADIKALSTE KUNST ALS TOTALSTE ZIELSETZUNG. IN ZARDOZ DREHT SICH ALLES UM DIE STAATSFORM KUNST… Zardoz vereint alle Mythen spielerischst zu einer “Immerwährenden Erzodyssee”. ZARDOZ IST CHEF.“„MEESE IST ZED, ZED IST MEESE, ZED IST DER KUNSTSOLDAT MEESI, ZED IST PARSIFAL, MEESE IST HAGEN VON TRONJE…..Zedmeese ist Kunstkämpfer, Meesezed ist Kunstkrieger. Meese ist Saint Justzed und Kunstodysseus. Zed ist URKÜNSTLERZ. ZARDOZ IST DIE GEBURT DER KUNST. ZARDOZ IST DER NEUE NULLPUNKT KUNST. KUNSTZED IST ZEDKUNST. ZARDOZ IST NOMAD. Nomadaddy ist Zedtum. Zed ist EVOLUTINSSPIELKIND. ZED IST TOTALSTE LIEBE.“ Ausstellung: Jonathan Meese, Revolution, Kestner Gesellschaft, Hannover 2002/03, mit farb. Abb. S. 96/97 sowie verso mit dem Etikett;Jonathan Meese. Malermeese – Meesermaler, Museum der Moderne, Salzburg 2013/14, mit farb. Abb. S. 66/67. Provenienz: Contemporary Fine Arts, Berlin, verso auf dem Keilrahmen mit Stempel und Etiketten; Privatsammlung, Süddeutschland. Taxation: differenzbesteuert (VAT: Margin Scheme).
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70.000 - 90.000 EUR
Jonas Burgert (1969 Berlin) – „Fälscher“. Öl auf Leinwand. 2006. Ca. 240 x 220 cm. Verso auf der Leinwand signiert, datiert und betitelt. • Typisches Werk, in dem der menschlichen Seele eine Bühne gegeben wird • Einzigartiger Reiz von Schönheit und Unbehagen • Jonas Burgert ist einer der gefragtesten gegenständlichen Maler unserer ZeitAls einer der erfolgreichsten Künstler war Jonas Burgert in den zurückliegenden Jahren mit seinen Werken weltweit in Ausstellungen vertreten. Der Reiz von Jonas Burgerts Malerei liegt in ihrer Einzigartigkeit. Schon früh sprach er davon, dass er sich nicht an fremde Maßstäbe verlieren wolle. Am Anfang jeder Komposition stehen erdfarbene Grundtöne, darüber entfaltet der Maler sein reiches Kolorit und seine rätselhaften Szenen. Burgert schickt seine Figuren gleichsam auf die Bühne, zur Aufführung kommen alle menschlichen Gefühle, die Handlung bleibt dem Betrachter verschlossen. Der „Fälscher“ gewährt Einblick in die Ecke eines Raums, in dem zwei Figuren scheinbar auf etwas warten. Allen Burgert-Gemälden gemeinsam ist der dystopische Grundton seiner Motive, unweigerlich schleicht sich ein Gefühl des Unbehagens ein. In dieser Ambivalenz von Schönheit und Unbehagen liegt der einzigartige Reiz von Burgerts Werk begründet. Provenienz: Contemporary Fine Arts, Berlin; Privatsammlung, Süddeutschland. Taxation: differenzbesteuert (VAT: Margin Scheme).
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Anne Imhof (1978 Gießen) – Aus der Pranke den Löwen II. Alabaster, Seide, Ton, Aluminium und Stahl (4-teilig). (2013). Ca. 120 x 25 x 15 cm. Signiert auf dem beiliegenden Zertifikat. Mit einem von der Künstlerin signierten Echtheitszertifikat vom 3.11.2015. • Die frühe, experimentelle Arbeit greift das zentrale Thema im Oeuvre der Künstlerin auf • Ihre performative Rauminstallation „Faust“ wurde auf der Biennale in Venedig 2017 mit dem Goldenen Löwen ausgezeichnet • Anne Imhof zählt aktuell zu den einflussreichsten zetgenössischen KünstlerinnenSpätestens seit sie 2017 den Deutschen Pavillon für die 57. Biennale in Venedig gestaltete, ist Anne Imhof eine der gefragtesten Künstlerinnen in der zeitgenössischen Kunstszene. „Aus der Pranke den Löwen II“ zeigt anschaulich, wie früh das Thema des Boxens, der körperlichen Auseinandersetzung im Werk der Künstlerin präsent ist: bereits 2013 ordnet sie zwei mit Boxbandagen umwickelte Schaumstoff-Fäuste zu dieser installativen Skulptur an. Erst 4 Jahre später wird Anne Imhof für ihre performative Rauminstallation „Faust“ in Venedig mit dem Goldenen Löwen ausgezeichnet. In ihrer Anfangszeit als Künstlerin greift Imhof häufig auf Archivmaterial aus der subkulturellen Untergrundszene zurück. Vor dem Hintergrund einer postapokalyptischen Isolation erkundet sie Vorstellungen von Endlichkeit, Realität und Künstlichkeit, Zufall und Schicksal, Abwesenheit und Präsenz. Dabei sind Bewegung und Performance zentral für Anne Imhofs künstlerisches Schaffen und liegen auch der Idee für „Aus der Pranke den Löwen II“ zugrunde. Anne Imhof war zuletzt mit Einzelausstellungen 2019 in der Tate Modern in London, 2021 im Palais de Tokyo in Paris und 2022 mit „Youth“ im Stedelijk Museum in Amsterdam vertreten. Das Kunsthaus Bregenz zeigte bis September diesen Jahres die Ausstellung „Wish You Were Gay“. Anne Imhof lebt und arbeitet in Berlin und Los Angeles. Provenienz: Deborah Schamoni, München; Privatsammlung, Süddeutschland, 2015 bei Vorgenannter erworben. Taxation: differenzbesteuert (VAT: Margin Scheme).
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